Exposition · Paris 2026
Metamorfose Urbana
Lisbonne → Paris, un dialogue artistique entre deux capitales
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Édition
Paris 2026
Après Lisbonne 2024
Artistes
19 Créateurs
Portugal · France · Espagne
Médiums
Pluridisciplinaire
Peinture · Musique · Couture
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Maria de Medeiros / Frédéric Bourret
Le Projet
Metamorfose
Metamorfose
Urbana
Exposition · Paris 2026
Après avoir pris vie à Lisbonne, l'exposition ouvre un nouveau chapitre : Paris 2026. Entre deux capitales, leurs œuvres poursuivent leur métamorphose, révélant toute la richesse et la force créative de la scène artistique portugaise.
Une fusion artistique entre les photographies de Frédéric Bourret et les interprétations créatives des artistes donne naissance à un dialogue visuel captivant.
« Metamorfose Urbana » est un projet artistique collectif et transdisciplinaire qui explore les métamorphoses de la ville à travers le regard croisé d'artistes venus de différents pays et disciplines. Conçue comme une plateforme de création et de dialogue, l'exposition propose une relecture sensible et contemporaine des paysages urbains, où la photographie devient un point de départ pour de multiples interventions et réinterprétations libres.
Frédéric a proposé ses photographies parisiennes comme une toile blanche, sur laquelle chaque artiste a été invité à laisser sa signature, en réinventant ces paysages selon sa propre perspective artistique et son imaginaire foisonnant. Chaque artiste, avec sa sensibilité personnelle, a présenté une vision singulière de Paris, exprimée à travers une grande diversité de médiums artistiques.
Qu'il s'agisse de peinture, de dessin, de science, de musique ou d'autres formes d'expression, l'ensemble a donné naissance à un dialogue riche autour de l'influence et de l'inspiration que la ville exerce sur la création artistique. « Metamorfose Urbana » a ainsi repensé l'exposition photographique traditionnelle pour créer un espace de rencontre artistique captivant.
Les œuvres de Frédéric Bourret se sont mêlées harmonieusement aux expressions d'autres figures emblématiques de la création contemporaine portugaise, formant une véritable alchimie d'images fortes et de disciplines variées. Cette combinaison a offert une expérience immersive et revigorante, transportant les visiteurs dans un espace de liberté pour l'imagination.
En chiffres
19Artistes internationaux
2Éditions · Lisbonne & Paris
∞Réinterprétations possibles
Médiums
Les œuvres forment une véritable alchimie d'images fortes et de disciplines variées, transportant les visiteurs dans un espace de liberté pour l'imagination.
Paris 2026 · L'ambition
L'édition de 2026 se tiendra à Paris, avec l'ambition d'élargir encore le dialogue artistique et d'inviter de nouveaux créateurs à réinventer la Ville Lumière.
The Project
Metamorfose
Metamorfose
Urbana
Exhibition · Paris 2026
After coming to life in Lisbon, the exhibition now opens a new chapter: Paris 2026. Between two capitals, their works continue their metamorphosis, revealing all the richness and creative force of the Portuguese artistic scene.
An artistic fusion between Frédéric Bourret's photographs and the artists' creative interpretations gives birth to a captivating visual dialogue.
"Metamorfose Urbana" is a collective and transdisciplinary artistic project that explores the metamorphoses of the city through the cross-perspectives of artists from different countries and disciplines. Conceived as a platform for creation and dialogue, the exhibition offers a sensitive and contemporary reinterpretation of urban landscapes, where photography becomes a starting point for multiple interventions and free reinterpretations.
Frédéric proposed his Parisian photographs as a blank canvas, on which each artist was invited to leave their signature, reinventing these landscapes according to their own artistic perspective and abundant imagination. Each artist, with their personal sensitivity, presented a unique vision of Paris, expressed through a wide diversity of artistic mediums.
Whether painting, drawing, science, music, or other forms of expression, the whole gave birth to a rich dialogue around the influence and inspiration that the city exerts on artistic creation. "Metamorfose Urbana" thus rethought the traditional photographic exhibition to create a captivating space for artistic encounter.
Frédéric Bourret's works harmoniously blended with the expressions of other emblematic figures of Portuguese contemporary creation, forming a true alchemy of powerful images and varied disciplines. This combination offered an immersive and invigorating experience, transporting visitors into a space of freedom for imagination.
In numbers
19International artists
2Editions · Lisbon & Paris
∞Possible reinterpretations
Mediums
The works form a true alchemy of powerful images and varied disciplines, transporting visitors into a space of freedom for imagination.
Paris 2026 · The ambition
The 2026 edition will take place in Paris, with the ambition to further expand the artistic dialogue and invite new creators to reinvent the City of Light.
O Projeto
Metamorfose
Metamorfose
Urbana
Exposição · Paris 2026
Depois de ganhar vida em Lisboa, a exposição abre agora um novo capítulo: Paris 2026. Entre duas capitais, as obras prosseguem a sua metamorfose, revelando toda a riqueza e força criativa da cena artística portuguesa.
Uma fusão artística entre as fotografias de Frédéric Bourret e as interpretações criativas dos artistas dá origem a um diálogo visual cativante.
«Metamorfose Urbana» é um projeto artístico coletivo e transdisciplinar que explora as metamorfoses da cidade através do olhar cruzado de artistas vindos de diferentes países e disciplinas. Concebida como uma plataforma de criação e diálogo, a exposição propõe uma releitura sensível e contemporânea das paisagens urbanas, onde a fotografia se torna um ponto de partida para múltiplas intervenções e reinterpretações livres.
Frédéric propôs as suas fotografias parisienses como uma tela em branco, sobre a qual cada artista foi convidado a deixar a sua assinatura, reinventando estas paisagens segundo a sua própria perspetiva artística e imaginação abundante. Cada artista, com a sua sensibilidade pessoal, apresentou uma visão singular de Paris, expressa através de uma grande diversidade de meios artísticos.
Seja pintura, desenho, ciência, música ou outras formas de expressão, o conjunto deu origem a um diálogo rico sobre a influência e inspiração que a cidade exerce sobre a criação artística. «Metamorfose Urbana» repensou assim a exposição fotográfica tradicional para criar um espaço de encontro artístico cativante.
As obras de Frédéric Bourret misturaram-se harmoniosamente com as expressões de outras figuras emblemáticas da criação contemporânea portuguesa, formando uma verdadeira alquimia de imagens fortes e disciplinas variadas. Esta combinação ofereceu uma experiência imersiva e revigorante, transportando os visitantes para um espaço de liberdade para a imaginação.
Em números
19Artistas internacionais
2Edições · Lisboa & Paris
∞Reinterpretações possíveis
Meios artísticos
As obras formam uma verdadeira alquimia de imagens fortes e disciplinas variadas, transportando os visitantes para um espaço de liberdade para a imaginação.
Paris 2026 · A ambição
A edição de 2026 realizar-se-á em Paris, com a ambição de alargar ainda mais o diálogo artístico e convidar novos criadores a reinventar a Cidade Luz.
Metamorfose Urbana · Paris 2026
Partenaires
Ils soutiennent le dialogue artistique entre Lisbonne et Paris
Dans l'Œil
Presse
L'œil aiguisé de Catherine Schwaab au service de l'image artistique.
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French Touch Magazine
Presse · Médias
Le magazine de référence de la culture et de l'art de vivre à la française.
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Manteigaria
Gastronomie · Pastel de Nata
L'art du Pastel de Nata artisanal, fait à la vue de tous, sans secret.
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Heritage Porto & Douro
Vins · Terroir · Douro
Vins du Douro et Porto d'exception, nés de l'héritage familial de Julien dos Santos.
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Regard'Archi
Architecture d'intérieur
Studio dédié à l'aménagement sur mesure, avec une exigence d'élégance à chaque projet.
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Frédéric Bourret
Photographie · Initiateur
Le regard photographique qui a donné naissance à Metamorfose Urbana.
DécouvrirMetamorfose Urbana remercie chaleureusement tous ses partenaires pour leur confiance et leur soutien.
Metamorfose Urbana · Paris 2026
Les Artistes Os Artistas The Artists
Initiateur du projet
Iniciador do projeto
Project Initiator
Frédéric
Bourret
Photographie
Fotografia
Photography
À l'origine de Metamorfose Urbana, Frédéric Bourret a proposé ses photographies parisiennes comme une toile blanche, sur laquelle chaque artiste a été invité à laisser sa signature — réinventant ces paysages urbains selon sa propre perspective et son imaginaire.
Frédéric Bourret a exposé une quarantaine de fois, de New York à Berlin, de Genève à Paris. Son travail est reconnu par les collectionneurs, les spécialistes, mais aussi par un large public, qui apprécie ses séries aux thématiques et aux approches toujours renouvelées. Trois ouvrages ont été publiés et sont entièrement consacrés à son travail.
Frédéric Bourret a exposé une quarantaine de fois, de New York à Berlin, de Genève à Paris. Son travail est reconnu par les collectionneurs, les spécialistes, mais aussi par un large public, qui apprécie ses séries aux thématiques et aux approches toujours renouvelées. Trois ouvrages ont été publiés et sont entièrement consacrés à son travail.
Na origem do Metamorfose Urbana, Frédéric Bourret ofereceu as suas fotografias parisienses como uma tela em branco, sobre a qual cada artista foi convidado a deixar a sua assinatura — reinventando estas paisagens urbanas segundo a sua própria perspetiva e imaginário.
Frédéric Bourret expôs cerca de quarenta vezes, de Nova Iorque a Berlim, de Genebra a Paris. O seu trabalho é reconhecido por colecionadores, especialistas, mas também por um vasto público, que aprecia as suas séries de temáticas e abordagens sempre renovadas. Três obras foram publicadas e são inteiramente dedicadas ao seu trabalho.
Frédéric Bourret expôs cerca de quarenta vezes, de Nova Iorque a Berlim, de Genebra a Paris. O seu trabalho é reconhecido por colecionadores, especialistas, mas também por um vasto público, que aprecia as suas séries de temáticas e abordagens sempre renovadas. Três obras foram publicadas e são inteiramente dedicadas ao seu trabalho.
At the origin of Metamorfose Urbana, Frédéric Bourret offered his Parisian photographs as a blank canvas, upon which each artist was invited to leave their signature — reinventing these urban landscapes through their own perspective and imagination.
Frédéric Bourret has exhibited around forty times, from New York to Berlin, from Geneva to Paris. His work is recognised by collectors and specialists alike, as well as by a wide public who appreciates his series of ever-renewed themes and approaches. Three books have been published entirely dedicated to his work.
Frédéric Bourret has exhibited around forty times, from New York to Berlin, from Geneva to Paris. His work is recognised by collectors and specialists alike, as well as by a wide public who appreciates his series of ever-renewed themes and approaches. Three books have been published entirely dedicated to his work.
Photographe · Paris
Fotógrafo · Paris
Photographer · Paris
Biographie
Biografia
Biography
Maria de Medeiros, née à Lisbonne, est une actrice et réalisatrice internationale. Elle a commencé sa carrière avec des réalisateurs portugais comme João César Monteiro et Manoel de Oliveira. Récompensée au Festival de Venise par la Coppa Volpi pour « Deux frères, ma sœur », elle est mondialement connue pour son rôle d'Anaïs Nin dans « Henry and June » et sa participation dans « Pulp Fiction » de Quentin Tarantino.
Son premier long-métrage comme réalisatrice, « Capitaines d'Avril », a été sélectionné au Festival de Cannes. Chanteuse, compositrice et « Officier des Arts et des Lettres » en France, son premier mode d'expression reste le dessin. Photo © Dave Barbrow.
Son premier long-métrage comme réalisatrice, « Capitaines d'Avril », a été sélectionné au Festival de Cannes. Chanteuse, compositrice et « Officier des Arts et des Lettres » en France, son premier mode d'expression reste le dessin. Photo © Dave Barbrow.
Maria de Medeiros, nascida em Lisboa, é uma atriz e realizadora internacional. Iniciou a sua carreira com realizadores portugueses como João César Monteiro e Manoel de Oliveira. Premiada no Festival de Veneza com a Coppa Volpi por « Dois Irmãos, Minha Irmã », é mundialmente conhecida pelo papel de Anaïs Nin em « Henry and June » e pela sua participação em « Pulp Fiction » de Quentin Tarantino.
A sua primeira longa-metragem como realizadora, « Capitães de Abril », foi selecionada para o Festival de Cannes. Cantora, compositora e « Oficial das Artes e das Letras » em França, o seu primeiro modo de expressão continua a ser o desenho. Foto © Dave Barbrow.
A sua primeira longa-metragem como realizadora, « Capitães de Abril », foi selecionada para o Festival de Cannes. Cantora, compositora e « Oficial das Artes e das Letras » em França, o seu primeiro modo de expressão continua a ser o desenho. Foto © Dave Barbrow.
Maria de Medeiros, born in Lisbon, is an international actress and film director. She began her career with Portuguese directors such as João César Monteiro and Manoel de Oliveira. Awarded the Coppa Volpi at the Venice Film Festival for « Two Brothers, My Sister », she is world-renowned for her role as Anaïs Nin in « Henry and June » and her appearance in Quentin Tarantino's « Pulp Fiction ».
Her first feature film as director, « April Captains », was selected for the Cannes Film Festival. Singer, composer and « Officier des Arts et des Lettres » in France, drawing remains her first mode of expression. Photo © Dave Barbrow.
Her first feature film as director, « April Captains », was selected for the Cannes Film Festival. Singer, composer and « Officier des Arts et des Lettres » in France, drawing remains her first mode of expression. Photo © Dave Barbrow.
Pedro Campiche
AKACORLEONE
Peinture · Murale · Illustration
Pintura · Mural · Ilustração
Painting · Mural · Illustration
@akacorleone
Biographie
Biografia
Biography
Pedro Campiche (Lisbonne, 1985), alias AKACORLEONE, développe une identité artistique fondée sur un équilibre entre l'analogique et le numérique, définie par l'usage de la saturation des couleurs et des formes inspirées de son univers personnel, où chaque pièce porte une sensation visuelle unique.
Artiste depuis l'enfance, AKACORLEONE débute avec le graffiti au début des années 2000. En 2008, il s'oriente vers l'illustration et le muralisme, puis en 2010 présente ses premières œuvres en galerie, affirmant une esthétique métamorphique qui reste caractéristique de ses projets plus d'une décennie plus tard. Peinture, installation et sculpture sont des courants qu'il intègre progressivement.
L'obsession d'expérimenter de nouveaux matériaux — bas-relief, carreaux, découpe laser, acrylique, bois, ciment, pierre — transforme sa manière de composer : une approche centrée sur le sens, où l'art devient un véhicule pour comprendre et humaniser l'environnement. Reconnu pour sa multidisciplinarité, il a présenté son travail dans 14 pays à travers des expositions majeures comme TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Genève, 2022) et FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisbonne, 2014).
Artiste depuis l'enfance, AKACORLEONE débute avec le graffiti au début des années 2000. En 2008, il s'oriente vers l'illustration et le muralisme, puis en 2010 présente ses premières œuvres en galerie, affirmant une esthétique métamorphique qui reste caractéristique de ses projets plus d'une décennie plus tard. Peinture, installation et sculpture sont des courants qu'il intègre progressivement.
L'obsession d'expérimenter de nouveaux matériaux — bas-relief, carreaux, découpe laser, acrylique, bois, ciment, pierre — transforme sa manière de composer : une approche centrée sur le sens, où l'art devient un véhicule pour comprendre et humaniser l'environnement. Reconnu pour sa multidisciplinarité, il a présenté son travail dans 14 pays à travers des expositions majeures comme TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Genève, 2022) et FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisbonne, 2014).
Pedro Campiche (Lisboa, 1985), alias AKACORLEONE, desenvolve uma identidade artística assente num equilíbrio entre o analógico e o digital, definida pelo uso da saturação de cores e formas inspiradas no seu universo pessoal, onde cada peça carrega uma sensação visual única.
Ligado à criação artística desde cedo, AKACORLEONE começa com o graffiti no início dos anos 2000. Em 2008, orienta-se para a ilustração e o muralismo e, em 2010, apresenta os seus primeiros trabalhos em galeria, afirmando uma estética metamórfica que, mais de uma década depois, continua a caracterizar os seus projetos. Pintura, instalação e escultura são correntes que tem vindo a absorver nos últimos anos.
A obsessão por experimentar novos materiais — baixo-relevo, azulejos, corte a laser, acrílico, madeira, cimento, pedra — transforma a forma como pensa as suas composições: uma abordagem centrada no propósito, onde a arte é um veículo para compreender e humanizar o ambiente. Reconhecido pela sua multidisciplinaridade, apresentou o seu trabalho em 14 países, em exposições como TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Genebra, 2022) e FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisboa, 2014).
Ligado à criação artística desde cedo, AKACORLEONE começa com o graffiti no início dos anos 2000. Em 2008, orienta-se para a ilustração e o muralismo e, em 2010, apresenta os seus primeiros trabalhos em galeria, afirmando uma estética metamórfica que, mais de uma década depois, continua a caracterizar os seus projetos. Pintura, instalação e escultura são correntes que tem vindo a absorver nos últimos anos.
A obsessão por experimentar novos materiais — baixo-relevo, azulejos, corte a laser, acrílico, madeira, cimento, pedra — transforma a forma como pensa as suas composições: uma abordagem centrada no propósito, onde a arte é um veículo para compreender e humanizar o ambiente. Reconhecido pela sua multidisciplinaridade, apresentou o seu trabalho em 14 países, em exposições como TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Genebra, 2022) e FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisboa, 2014).
Pedro Campiche (Lisbon, 1985), alias AKACORLEONE, develops an artistic identity built on a balanced exploration between analog and digital, defined by his use of colour saturation and shapes inspired by his personal universe, with every piece carrying a unique visual sensation.
Living with artistic creation from an early age, AKACORLEONE started with graffiti in the early 2000s. In 2008 he moved into illustration and muralism, and in 2010 presented his first gallery works, defining from the outset a metamorphic aesthetic that more than a decade later remains characteristic of the projects he signs. Painting, installation and sculpture are currents he has been absorbing in recent years.
The obsession with experimenting with new materials — bas-relief, tiles, laser cutting, acrylic, wood, cement, stone — has transformed the way AKACORLEONE thinks about his compositions: an approach focused on purpose, taking art as a vehicle to understand and humanise the environment. Recognised for his multidisciplinarity, he has presented his work in 14 countries through major exhibitions such as TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Geneva, 2022) and FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisbon, 2014).
Living with artistic creation from an early age, AKACORLEONE started with graffiti in the early 2000s. In 2008 he moved into illustration and muralism, and in 2010 presented his first gallery works, defining from the outset a metamorphic aesthetic that more than a decade later remains characteristic of the projects he signs. Painting, installation and sculpture are currents he has been absorbing in recent years.
The obsession with experimenting with new materials — bas-relief, tiles, laser cutting, acrylic, wood, cement, stone — has transformed the way AKACORLEONE thinks about his compositions: an approach focused on purpose, taking art as a vehicle to understand and humanise the environment. Recognised for his multidisciplinarity, he has presented his work in 14 countries through major exhibitions such as TEMPLO DA LUZ (Belo Horizonte, 2023), FAUX PAS (Kolly Gallery Geneva, 2022) and FIND YOURSELF IN CHAOS (Underdogs, Lisbon, 2014).
Biographie
Biografia
Biography
Licencié en Peinture avec 18/20 à la Faculté des Beaux-Arts de Lisbonne, Carlos Possolo a été officiellement chargé de peindre le portrait du président Cavaco Silva, exposé au Musée de la Présidence de la République depuis 2016. Il collabore depuis 1995 avec les CTT pour la production de timbres, notamment la série des 500 ans de Vasco de Gama.
Ses œuvres figurent dans des collections privées et publiques à travers le monde : Maison Blanche, Vatican, Banque du Portugal, et dans celle du Prince Jonathan Doria-Pamphilj.
Ses œuvres figurent dans des collections privées et publiques à travers le monde : Maison Blanche, Vatican, Banque du Portugal, et dans celle du Prince Jonathan Doria-Pamphilj.
Licenciado em Pintura com 18/20 na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa, Carlos Possolo foi oficialmente encarregado de pintar o retrato do presidente Cavaco Silva, exposto no Museu da Presidência da República desde 2016. Colabora desde 1995 com os CTT na produção de selos, nomeadamente a série dos 500 anos de Vasco da Gama.
As suas obras figuram em coleções privadas e públicas em todo o mundo: Casa Branca, Vaticano, Banco de Portugal e na coleção do Príncipe Jonathan Doria-Pamphilj.
As suas obras figuram em coleções privadas e públicas em todo o mundo: Casa Branca, Vaticano, Banco de Portugal e na coleção do Príncipe Jonathan Doria-Pamphilj.
Graduating in Painting with a grade of 18/20 from the Faculty of Fine Arts in Lisbon, Carlos Possolo was officially commissioned to paint the portrait of President Cavaco Silva, displayed at the Museum of the Presidency of the Republic since 2016. Since 1995 he has collaborated with CTT on postage stamp production, including the series commemorating the 500th anniversary of Vasco da Gama.
His works feature in private and public collections worldwide: the White House, the Vatican, the Bank of Portugal, and the collection of Prince Jonathan Doria-Pamphilj.
His works feature in private and public collections worldwide: the White House, the Vatican, the Bank of Portugal, and the collection of Prince Jonathan Doria-Pamphilj.
Biographie
Biografia
Biography
Né à Orléans en 1987, Charly Lavado s'installe à Paris à dix-sept ans pour se former en Haute Couture, après un passage chez John Galliano et l'école de broderie Lesage. En 2012, il intègre l'Atelier Haute Couture Flou de Christian Dior pour plus de huit ans, avant de rejoindre la Maison Alaïa puis Valentino.
En 2022, il rejoint Schiaparelli pour les restaurations d'archives en vue de la rétrospective au Musée des Arts Décoratifs. Depuis 2024, il est Second d'Atelier chez Schiaparelli.
En 2022, il rejoint Schiaparelli pour les restaurations d'archives en vue de la rétrospective au Musée des Arts Décoratifs. Depuis 2024, il est Second d'Atelier chez Schiaparelli.
Nascido em Orléans em 1987, Charly Lavado instala-se em Paris aos dezassete anos para se formar em Alta Costura, após uma passagem por John Galliano e pela escola de bordado Lesage. Em 2012, integra o Atelier Haute Couture Flou da Christian Dior durante mais de oito anos, antes de se juntar à Maison Alaïa e depois à Valentino.
Em 2022, junta-se à Schiaparelli para as restaurações de arquivo para a retrospetiva no Museu das Artes Decorativas. Desde 2024, é Segundo de Atelier na Schiaparelli.
Em 2022, junta-se à Schiaparelli para as restaurações de arquivo para a retrospetiva no Museu das Artes Decorativas. Desde 2024, é Segundo de Atelier na Schiaparelli.
Born in Orléans in 1987, Charly Lavado moved to Paris at seventeen to train in Haute Couture, following a stint at John Galliano and the Lesage embroidery school. In 2012, he joined the Christian Dior Haute Couture Flou Atelier for over eight years, before moving to Maison Alaïa and then Valentino.
In 2022, he joined Schiaparelli for archive restoration work ahead of the retrospective at the Musée des Arts Décoratifs. Since 2024, he has been Second Atelier at Schiaparelli.
In 2022, he joined Schiaparelli for archive restoration work ahead of the retrospective at the Musée des Arts Décoratifs. Since 2024, he has been Second Atelier at Schiaparelli.
Biographie
Biografia
Biography
Décoratrice de production, directrice artistique et scénographe avec plus de trente ans d'expérience dans la publicité, le cinéma, le théâtre et la muséologie, Luísa Pacheco partage sa vie entre Lisbonne et Londres depuis ses études dans la capitale britannique.
Artiste visuelle multidisciplinaire, ses créations couvrent le design spatial, la création de costumes, la peinture et la joaillerie. Elle insuffle une vision artistique disruptive dans chacun de ses projets, enrichissant l'art contemporain d'une sensibilité dystopique.
Artiste visuelle multidisciplinaire, ses créations couvrent le design spatial, la création de costumes, la peinture et la joaillerie. Elle insuffle une vision artistique disruptive dans chacun de ses projets, enrichissant l'art contemporain d'une sensibilité dystopique.
Decoradora de produção, diretora artística e cenógrafa com mais de trinta anos de experiência em publicidade, cinema, teatro e museologia, Luísa Pacheco divide a sua vida entre Lisboa e Londres desde os seus estudos na capital britânica.
Artista visual multidisciplinar, as suas criações abrangem o design espacial, a criação de figurinos, a pintura e a joalharia. Infunde uma visão artística disruptiva em cada projeto, enriquecendo a arte contemporânea com uma sensibilidade distópica.
Artista visual multidisciplinar, as suas criações abrangem o design espacial, a criação de figurinos, a pintura e a joalharia. Infunde uma visão artística disruptiva em cada projeto, enriquecendo a arte contemporânea com uma sensibilidade distópica.
Production designer, artistic director and set designer with over thirty years of experience in advertising, cinema, theatre and museology, Luísa Pacheco divides her life between Lisbon and London since her studies in the British capital.
A multidisciplinary visual artist, her creations span spatial design, costume creation, painting and jewellery. She brings a disruptive artistic vision to each project, enriching contemporary art with a dystopian sensibility.
A multidisciplinary visual artist, her creations span spatial design, costume creation, painting and jewellery. She brings a disruptive artistic vision to each project, enriching contemporary art with a dystopian sensibility.
Biographie
Biografia
Biography
Architecte et entrepreneur français, résident permanent au Portugal depuis 25 ans, Ilya Semionoff consacre sa vie professionnelle à la restauration urbaine et à la préservation du patrimoine. Formé aux Beaux-Arts en France dans les années 1990, il a reçu les prix « Jean Arsac » et « Caisse d'Épargne » en 1995 et 1996.
Il a introduit dans son travail architectural les enseignements du maître peintre Jean François Chambari sur la couleur et la matière. Reconnu par le prix « Alexandre Herculano » en 2006 et le « Prix de Réhabilitation Urbaine » en 2019.
Il a introduit dans son travail architectural les enseignements du maître peintre Jean François Chambari sur la couleur et la matière. Reconnu par le prix « Alexandre Herculano » en 2006 et le « Prix de Réhabilitation Urbaine » en 2019.
Arquiteto e empresário francês, residente permanente em Portugal há 25 anos, Ilya Semionoff dedica a sua vida profissional à restauração urbana e à preservação do património. Formado nas Belas-Artes em França nos anos 1990, recebeu os prémios « Jean Arsac » e « Caisse d'Épargne » em 1995 e 1996.
Introduziu no seu trabalho arquitetónico os ensinamentos do mestre pintor Jean François Chambari sobre a cor e a matéria. Reconhecido pelo prémio « Alexandre Herculano » em 2006 e pelo « Prémio de Reabilitação Urbana » em 2019.
Introduziu no seu trabalho arquitetónico os ensinamentos do mestre pintor Jean François Chambari sobre a cor e a matéria. Reconhecido pelo prémio « Alexandre Herculano » em 2006 e pelo « Prémio de Reabilitação Urbana » em 2019.
A French architect and entrepreneur, permanent resident in Portugal for 25 years, Ilya Semionoff dedicates his professional life to urban restoration and heritage preservation. Trained at the Fine Arts in France in the 1990s, he received the « Jean Arsac » and « Caisse d'Épargne » prizes in 1995 and 1996.
He incorporated the teachings of master painter Jean François Chambari on colour and material into his architectural work. Recognised by the « Alexandre Herculano » prize in 2006 and the « Urban Rehabilitation Prize » in 2019.
He incorporated the teachings of master painter Jean François Chambari on colour and material into his architectural work. Recognised by the « Alexandre Herculano » prize in 2006 and the « Urban Rehabilitation Prize » in 2019.
Yvo
Abadi
Musique · Percussion
Música · Percussão
Music · Percussion
Biographie
Biografia
Biography
Autodidacte, Yvo Abadi débute la batterie à 13 ans, perfectionnant son art sur les scènes parisiennes dans des styles très variés. Parallèlement, il étudie le dessin et la sculpture aux Arts Appliqués. Il enregistre avec Guesch Patti, intègre le groupe Pow Wow puis Tarmac (Gaëtan Roussel), et participe au premier album d'Emilie Simon (Prix Constantin 2003).
Depuis 2003, batteur d'Amadou & Mariam, il a joué sur les plus grandes scènes mondiales — ouverture de la Coupe du Monde 2010, premières parties de U2 et Coldplay — et croisé John Paul Jones, Mick Jones et David Gilmour.
Depuis 2003, batteur d'Amadou & Mariam, il a joué sur les plus grandes scènes mondiales — ouverture de la Coupe du Monde 2010, premières parties de U2 et Coldplay — et croisé John Paul Jones, Mick Jones et David Gilmour.
Autodidata, Yvo Abadi começa a tocar bateria aos 13 anos, aperfeiçoando a sua arte nos palcos parisienses em estilos muito variados. Em paralelo, estuda desenho e escultura nas Artes Aplicadas. Grava com Guesch Patti, integra o grupo Pow Wow e depois o Tarmac (Gaëtan Roussel), e participa no primeiro álbum de Emilie Simon (Prémio Constantin 2003).
Desde 2003 baterista de Amadou & Mariam, tocou nos maiores palcos mundiais — abertura do Campeonato do Mundo de 2010, primeiras partes de U2 e Coldplay — e cruzou-se com John Paul Jones, Mick Jones e David Gilmour.
Desde 2003 baterista de Amadou & Mariam, tocou nos maiores palcos mundiais — abertura do Campeonato do Mundo de 2010, primeiras partes de U2 e Coldplay — e cruzou-se com John Paul Jones, Mick Jones e David Gilmour.
Self-taught, Yvo Abadi began playing drums at 13, honing his craft on Parisian stages across a wide range of styles. Alongside this, he studied drawing and sculpture at the Applied Arts school. He recorded with Guesch Patti, joined the band Pow Wow then Tarmac (Gaëtan Roussel), and contributed to Emilie Simon's debut album (Prix Constantin 2003).
Since 2003 the drummer for Amadou & Mariam, he has performed on the world's greatest stages — opening the 2010 World Cup, supporting U2 and Coldplay — and shared the stage with John Paul Jones, Mick Jones and David Gilmour.
Since 2003 the drummer for Amadou & Mariam, he has performed on the world's greatest stages — opening the 2010 World Cup, supporting U2 and Coldplay — and shared the stage with John Paul Jones, Mick Jones and David Gilmour.
Biographie
Biografia
Biography
Né à Redondo en 1964, Jose Grazina a étudié les arts décoratifs, la peinture et le dessin à Lisbonne, puis l'Expression Dramatique avec le soutien de la Fondation Calouste Gulbenkian. Lauréat du 1er Prix de Peinture à la Biennale de Nazaré, il a créé la scénographie du ballet « Who Cares ? » de Balanchine et restauré le décor du Sacre du Printemps de Stravinsky pour la Companhia Nacional de Bailado.
Peintre de scène pour de nombreux projets à Lisbonne, il expose régulièrement depuis 1989 et est présent dans des collections publiques et privées.
Peintre de scène pour de nombreux projets à Lisbonne, il expose régulièrement depuis 1989 et est présent dans des collections publiques et privées.
Nascido em Redondo em 1964, Jose Grazina estudou artes decorativas, pintura e desenho em Lisboa, depois Expressão Dramática com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian. Laureado com o 1.º Prémio de Pintura na Bienal de Nazaré, criou a cenografia do ballet « Who Cares? » de Balanchine e restaurou o cenário da Sagração da Primavera de Stravinsky para a Companhia Nacional de Bailado.
Pintor de cena em numerosos projetos em Lisboa, expõe regularmente desde 1989 e está presente em coleções públicas e privadas.
Pintor de cena em numerosos projetos em Lisboa, expõe regularmente desde 1989 e está presente em coleções públicas e privadas.
Born in Redondo in 1964, Jose Grazina studied decorative arts, painting and drawing in Lisbon, then Dramatic Expression with the support of the Calouste Gulbenkian Foundation. Winner of the 1st Painting Prize at the Nazaré Biennial, he created the set design for Balanchine's ballet « Who Cares? » and restored the scenery for Stravinsky's The Rite of Spring for the Companhia Nacional de Bailado.
A stage painter for numerous projects in Lisbon, he has exhibited regularly since 1989 and features in public and private collections.
A stage painter for numerous projects in Lisbon, he has exhibited regularly since 1989 and features in public and private collections.
Nathalie
Afonso
Peinture · Sculpture · Design
Pintura · Escultura · Design
Painting · Sculpture · Design
afonsonathalie.fr
Biographie
Biografia
Biography
Diplômée de l'École Boulle et médaillée de l'Académie des Arts, des Lettres et des Sciences de Paris, Nathalie Afonso est peintre, sculptrice et designer. Sa peinture figurative, valorisée par un univers abstrait, invite au voyage et à la rêverie.
Exposée à travers le monde, elle collabore avec différentes institutions et artistes, ce qui lui permet de faire évoluer son art en permanence.
Exposée à travers le monde, elle collabore avec différentes institutions et artistes, ce qui lui permet de faire évoluer son art en permanence.
Diplomada pela École Boulle e medalheada pela Academia das Artes, Letras e Ciências de Paris, Nathalie Afonso é pintora, escultora e designer. A sua pintura figurativa, valorizada por um universo abstrato, convida à viagem e ao devaneio.
Exposta em todo o mundo, colabora com diferentes instituições e artistas, o que lhe permite fazer evoluir permanentemente a sua arte.
Exposta em todo o mundo, colabora com diferentes instituições e artistas, o que lhe permite fazer evoluir permanentemente a sua arte.
A graduate of the École Boulle and medallist of the Academy of Arts, Letters and Sciences of Paris, Nathalie Afonso is a painter, sculptor and designer. Her figurative painting, enriched by an abstract universe, invites the viewer to travel and dream.
Exhibited worldwide, she collaborates with various institutions and artists, allowing her art to evolve continuously.
Exhibited worldwide, she collaborates with various institutions and artists, allowing her art to evolve continuously.
Biographie
Biografia
Biography
Ana López, connue sous le nom d'Anita La Sainte, est une peintre et artiste tatoueur originaire de Cáceres, en Espagne. Son parcours artistique a commencé à l'âge de 7 ans dans la peinture et l'illustration ; à 20 ans, elle travaillait déjà professionnellement sur l'art décoratif et les portraits.
Ses créations explorent la beauté de la vie, de la nature et de l'esprit humain, chaque œuvre tissant un lien profond entre tradition et contemporanéité.
Ses créations explorent la beauté de la vie, de la nature et de l'esprit humain, chaque œuvre tissant un lien profond entre tradition et contemporanéité.
Ana López, conhecida pelo nome artístico Anita La Sainte, é pintora e tatuadora originária de Cáceres, em Espanha. O seu percurso artístico começou aos 7 anos na pintura e na ilustração; aos 20 anos já trabalhava profissionalmente em arte decorativa e retratos.
As suas criações exploram a beleza da vida, da natureza e do espírito humano, com cada obra tecendo um elo profundo entre tradição e contemporaneidade.
As suas criações exploram a beleza da vida, da natureza e do espírito humano, com cada obra tecendo um elo profundo entre tradição e contemporaneidade.
Ana López, known as Anita La Sainte, is a painter and tattoo artist from Cáceres, Spain. Her artistic journey began at the age of 7 in painting and illustration; by 20 she was already working professionally in decorative art and portraiture.
Her creations explore the beauty of life, nature and the human spirit, each work weaving a deep connection between tradition and contemporary expression.
Her creations explore the beauty of life, nature and the human spirit, each work weaving a deep connection between tradition and contemporary expression.
Glaçon
Graffiti · Murale · Portrait
Graffiti · Mural · Retrato
Graffiti · Mural · Portrait
@by_glacon
Biographie
Biografia
Biography
Artiste graffeur portugais né et grandi en Essonne, Glaçon (29 ans) est aujourd'hui installé à Paris. Son travail se concentre sur le portrait, conçu comme un hommage, un moyen de transmission et de mise en lumière des visages qui l'inspirent.
Ancré dans une démarche in situ, chaque œuvre est pensée spécifiquement pour le lieu qui l'accueille. Son parcours l'a conduit à Maputo (Festival Maputo Street Art) et à développer des projets dédiés à la culture portugaise, dont l'exposition Orgulhosamente Abril consacrée à la Révolution des Œillets.
Ancré dans une démarche in situ, chaque œuvre est pensée spécifiquement pour le lieu qui l'accueille. Son parcours l'a conduit à Maputo (Festival Maputo Street Art) et à développer des projets dédiés à la culture portugaise, dont l'exposition Orgulhosamente Abril consacrée à la Révolution des Œillets.
Artista de graffiti português nascido e criado no Essonne, Glaçon (29 anos) está hoje instalado em Paris. O seu trabalho centra-se no retrato, concebido como uma homenagem, um meio de transmissão e de iluminação dos rostos que o inspiram.
Enraizado numa abordagem in situ, cada obra é pensada especificamente para o espaço que a acolhe. O seu percurso levou-o a Maputo (Festival Maputo Street Art) e ao desenvolvimento de projetos dedicados à cultura portuguesa, incluindo a exposição Orgulhosamente Abril dedicada à Revolução dos Cravos.
Enraizado numa abordagem in situ, cada obra é pensada especificamente para o espaço que a acolhe. O seu percurso levou-o a Maputo (Festival Maputo Street Art) e ao desenvolvimento de projetos dedicados à cultura portuguesa, incluindo a exposição Orgulhosamente Abril dedicada à Revolução dos Cravos.
A Portuguese graffiti artist born and raised in Essonne, Glaçon (29) is now based in Paris. His work focuses on portraiture, conceived as a tribute, a means of transmission and a way of illuminating the faces that inspire him.
Rooted in an in situ approach, each work is conceived specifically for the space that hosts it. His path has taken him to Maputo (Festival Maputo Street Art) and led him to develop projects dedicated to Portuguese culture, including the exhibition Orgulhosamente Abril devoted to the Carnation Revolution.
Rooted in an in situ approach, each work is conceived specifically for the space that hosts it. His path has taken him to Maputo (Festival Maputo Street Art) and led him to develop projects dedicated to Portuguese culture, including the exhibition Orgulhosamente Abril devoted to the Carnation Revolution.
Paulo
Granja
Histoire · Cinéma
História · Cinema
History · Cinema
Biographie
Biografia
Biography
Né à Paris en 1973, Paulo Granja est titulaire d'un master en Histoire Contemporaine du Portugal de l'Université de Coimbra, où il a enseigné et conduit des recherches en Histoire et Esthétique du Cinéma.
Il a également exercé comme formateur et relecteur. Depuis 2018, il est conseiller parlementaire. Il vit à Lisbonne depuis dix ans.
Il a également exercé comme formateur et relecteur. Depuis 2018, il est conseiller parlementaire. Il vit à Lisbonne depuis dix ans.
Nascido em Paris em 1973, Paulo Granja é titular de um mestrado em História Contemporânea de Portugal pela Universidade de Coimbra, onde lecionou e desenvolveu investigação em História e Estética do Cinema.
Exerceu também como formador e revisor. Desde 2018, é assessor parlamentar. Vive em Lisboa há dez anos.
Exerceu também como formador e revisor. Desde 2018, é assessor parlamentar. Vive em Lisboa há dez anos.
Born in Paris in 1973, Paulo Granja holds a master's degree in Contemporary History of Portugal from the University of Coimbra, where he taught and conducted research in Film History and Aesthetics.
He has also worked as a trainer and proofreader. Since 2018, he has been a parliamentary advisor. He has lived in Lisbon for ten years.
He has also worked as a trainer and proofreader. Since 2018, he has been a parliamentary advisor. He has lived in Lisbon for ten years.
Biographie
Biografia
Biography
Né en 1997 à Aveiro, Leonardo Quintaneiro vit et travaille à Lisbonne. Diplômé en Beaux-Arts (licence et master à l'ESAD.CR) et du Cours en Arts Visuels de la FLAD, son travail explore la séduction, l'érotisme et l'intime à partir de fragments du quotidien.
Parmi ses expositions récentes : « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) à la ZDB, et « desires don't go away they just get better » (2023).
Parmi ses expositions récentes : « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) à la ZDB, et « desires don't go away they just get better » (2023).
Nascido em 1997 em Aveiro, Leonardo Quintaneiro vive e trabalha em Lisboa. Licenciado e mestre em Belas-Artes (ESAD.CR) e pelo Curso em Artes Visuais da FLAD, o seu trabalho explora a sedução, o erotismo e o íntimo a partir de fragmentos do quotidiano.
Entre as suas exposições recentes: « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) na ZDB, e « desires don't go away they just get better » (2023).
Entre as suas exposições recentes: « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) na ZDB, e « desires don't go away they just get better » (2023).
Born in 1997 in Aveiro, Leonardo Quintaneiro lives and works in Lisbon. Holding a BA and MA in Fine Arts (ESAD.CR) and a course in Visual Arts from FLAD, his work explores seduction, eroticism and intimacy through fragments of everyday life.
Recent exhibitions include: « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) at ZDB, and « desires don't go away they just get better » (2023).
Recent exhibitions include: « Não almoçar é bom » (2022), « Defenses, Fences & Offenses » (2023) at ZDB, and « desires don't go away they just get better » (2023).
Coletivo
Triciclo
Collectif · Peinture · Collage
Coletivo · Pintura · Colagem
Collective · Painting · Collage
@__triciclo
Biographie
Biografia
Biography
Triciclo est un collectif artistique fondé par trois amis — Vasco, Tomás et Gil — issus de la Faculté des Beaux-Arts de Lisbonne. Ils ont commencé à peindre sur les murs de leur université sans thème imposé, combinant leurs univers individuels en compositions étranges, anomales et finalement harmonieuses.
Acrylique, collages, graphite, fusain : leur langage visuel se distingue par une irrévérence maîtrisée, née d'une symbiose singulière entre leurs styles respectifs.
Acrylique, collages, graphite, fusain : leur langage visuel se distingue par une irrévérence maîtrisée, née d'une symbiose singulière entre leurs styles respectifs.
O Triciclo é um coletivo artístico fundado por três amigos — Vasco, Tomás e Gil — provenientes da Faculdade de Belas-Artes de Lisboa. Começaram a pintar nas paredes da sua universidade sem tema imposto, combinando os seus universos individuais em composições estranhas, anómalas e finalmente harmoniosas.
Acrílico, colagens, grafite, carvão: a sua linguagem visual distingue-se por uma irreverência dominada, nascida de uma simbiose singular entre os seus estilos respetivos.
Acrílico, colagens, grafite, carvão: a sua linguagem visual distingue-se por uma irreverência dominada, nascida de uma simbiose singular entre os seus estilos respetivos.
Triciclo is an artistic collective founded by three friends — Vasco, Tomás and Gil — from the Faculty of Fine Arts in Lisbon. They began painting on the walls of their university with no imposed theme, combining their individual worlds into strange, anomalous and ultimately harmonious compositions.
Acrylic, collage, graphite, charcoal: their visual language is defined by a controlled irreverence, born from a singular symbiosis between their respective styles.
Acrylic, collage, graphite, charcoal: their visual language is defined by a controlled irreverence, born from a singular symbiosis between their respective styles.
Valerie
Kaye
Design Graphique · Art Visuel
Design Gráfico · Arte Visual
Graphic Design · Visual Art
Biographie
Biografia
Biography
Diplômée de la Parsons School of Design à New York en 1991, Valerie Kaye a commencé sa carrière dans la publicité avant de rejoindre le monde humanitaire. Du CICR en ex-Yougoslavie et en Colombie, au Pakistan et Afghanistan pour les droits humains, jusqu'au Myanmar où elle a travaillé comme journaliste clandestine pour The Guardian.
De retour en Europe, elle a travaillé pour Caritas International puis le Programme Alimentaire Mondial des Nations Unies. Tout au long de ses voyages, l'art et le design locaux sont restés au cœur de son identité.
De retour en Europe, elle a travaillé pour Caritas International puis le Programme Alimentaire Mondial des Nations Unies. Tout au long de ses voyages, l'art et le design locaux sont restés au cœur de son identité.
Diplomada pela Parsons School of Design de Nova Iorque em 1991, Valerie Kaye iniciou a sua carreira na publicidade antes de ingressar no mundo humanitário. Do CICV na ex-Jugoslávia e na Colômbia, ao Paquistão e Afeganistão pelos direitos humanos, até ao Myanmar onde trabalhou como jornalista clandestina para The Guardian.
De regresso à Europa, trabalhou para a Caritas Internacional e depois para o Programa Alimentar Mundial das Nações Unidas. Ao longo de todas as suas viagens, a arte e o design locais permaneceram no centro da sua identidade.
De regresso à Europa, trabalhou para a Caritas Internacional e depois para o Programa Alimentar Mundial das Nações Unidas. Ao longo de todas as suas viagens, a arte e o design locais permaneceram no centro da sua identidade.
A graduate of the Parsons School of Design in New York in 1991, Valerie Kaye began her career in advertising before joining the humanitarian world. From the ICRC in the former Yugoslavia and Colombia, to Pakistan and Afghanistan for human rights, to Myanmar where she worked as an undercover journalist for The Guardian.
Back in Europe, she worked for Caritas International then the United Nations World Food Programme. Throughout her travels, local art and design have remained at the core of her identity.
Back in Europe, she worked for Caritas International then the United Nations World Food Programme. Throughout her travels, local art and design have remained at the core of her identity.
Biographie
Biografia
Biography
Sous le nom d'artiste « Marghan », Gaël Charron fusionne dessin au stylo et écriture pour explorer la complexité humaine. Chaque trait est une plongée dans les méandres de l'âme, chaque mot une invitation à ressentir. Il a exposé au Kamu à Clichy et à la galerie « Village Suisse » dans le 15e arrondissement de Paris.
Arrière-petit-fils d'Eugène Boudin, il puise dans cet héritage artistique une connexion profonde à la lumière, à l'observation et à la transmission. Il croit fermement que la couleur prendra progressivement sa place dans ses œuvres, à mesure qu'il grandit en résilience.
Arrière-petit-fils d'Eugène Boudin, il puise dans cet héritage artistique une connexion profonde à la lumière, à l'observation et à la transmission. Il croit fermement que la couleur prendra progressivement sa place dans ses œuvres, à mesure qu'il grandit en résilience.
Sob o nome artístico « Marghan », Gaël Charron funde o desenho a caneta e a escrita para explorar a complexidade humana. Cada traço é uma imersão nos meandros da alma, cada palavra um convite a sentir. Expôs no Kamu em Clichy e na galeria « Village Suisse » no 15.º arrondissement de Paris.
Bisneto de Eugène Boudin, extrai deste legado artístico uma ligação profunda à luz, à observação e à transmissão. Acredita firmemente que a cor tomará progressivamente o seu lugar nas suas obras, à medida que cresce em resiliência.
Bisneto de Eugène Boudin, extrai deste legado artístico uma ligação profunda à luz, à observação e à transmissão. Acredita firmemente que a cor tomará progressivamente o seu lugar nas suas obras, à medida que cresce em resiliência.
Under the artist name « Marghan », Gaël Charron fuses pen drawing and writing to explore human complexity. Each line is a dive into the meanderings of the soul, each word an invitation to feel. He has exhibited at Kamu in Clichy and at the « Village Suisse » gallery in the 15th arrondissement of Paris.
Great-grandson of Eugène Boudin, he draws from this artistic legacy a deep connection to light, observation and transmission. He firmly believes that colour will gradually take its place in his works, as he grows in resilience.
Great-grandson of Eugène Boudin, he draws from this artistic legacy a deep connection to light, observation and transmission. He firmly believes that colour will gradually take its place in his works, as he grows in resilience.
Biographie
Biografia
Biography
Dessinatrice depuis l'enfance, Inès Dia Silva considère l'art comme la quintessence de l'être humain — ce qui vient du cœur, libère l'âme et guérit les maux. Elle aime particulièrement l'art naïf et collectionne les objets d'art de ses voyages comme des trésors.
En découvrant la photographie de Frédéric et son rayon de lumière, elle a voulu se réconcilier avec Paris à travers ce travail, en « tatouant » la ville de bénédictions — comme une fée marraine sur le berceau d'une princesse — pour qu'elle retrouve ce qu'elle a de meilleur en elle.
En découvrant la photographie de Frédéric et son rayon de lumière, elle a voulu se réconcilier avec Paris à travers ce travail, en « tatouant » la ville de bénédictions — comme une fée marraine sur le berceau d'une princesse — pour qu'elle retrouve ce qu'elle a de meilleur en elle.
Desenhadora desde a infância, Inès Dia Silva considera a arte como a quintessência do ser humano — o que vem do coração, liberta a alma e cura os males. Aprecia particularmente a arte naïf e coleciona objetos de arte das suas viagens como tesouros.
Ao descobrir a fotografia de Frédéric e o seu raio de luz, quis reconciliar-se com Paris através deste trabalho, « tatuando » a cidade de bênçãos — como uma fada madrinha sobre o berço de uma princesa — para que ela reencontre o melhor de si mesma.
Ao descobrir a fotografia de Frédéric e o seu raio de luz, quis reconciliar-se com Paris através deste trabalho, « tatuando » a cidade de bênçãos — como uma fada madrinha sobre o berço de uma princesa — para que ela reencontre o melhor de si mesma.
A draughtswoman since childhood, Inès Dia Silva sees art as the quintessence of the human being — that which comes from the heart, frees the soul and heals suffering. She is particularly fond of naïve art and collects art objects from her travels like treasures.
On discovering Frédéric's photograph and its ray of light, she wished to reconcile herself with Paris through this work, by "tattooing" the city with blessings — like a fairy godmother over a princess's cradle — so that it may rediscover the best of itself.
On discovering Frédéric's photograph and its ray of light, she wished to reconcile herself with Paris through this work, by "tattooing" the city with blessings — like a fairy godmother over a princess's cradle — so that it may rediscover the best of itself.
Vitò
Julião
Illustration · Street Art
Ilustração · Street Art
Illustration · Street Art
vitojuliao.com
Biographie
Biografia
Biography
Vitor Julião, alias Vitó, est illustrateur et street artist basé à Lisbonne, fort de plus de 10 ans d'expérience au service de marques, d'espaces et d'individus. Spécialisé en illustration digitale, fresques murales, live painting et activations de marque, il développe des projets visuels qui captent l'attention et renforcent l'identité.
Vitor Julião, alias Vitó, é ilustrador e street artist baseado em Lisboa, com mais de 10 anos de experiência ao serviço de marcas, espaços e indivíduos. Especializado em ilustração digital, murais, live painting e ativações de marca, desenvolve projetos visuais que captam a atenção e reforçam a identidade.
Vitor Julião, alias Vitó, is an illustrator and street artist based in Lisbon, with over 10 years of experience serving brands, spaces and individuals. Specialising in digital illustration, mural painting, live painting and brand activations, he develops visual projects that capture attention and strengthen identity.
Fatou
Fatou
Mode · Entrepreneuriat · ONU
Moda · Empreendedorismo · ONU
Fashion · Entrepreneurship · UN
@iamfatou
Biographie
Biografia
Biography
Serial entrepreneuse, analyste culturelle et experte collaborant avec les Nations Unies, Fatou a traversé dix années d'expatriation sur trois continents avant de tout quitter pour l'équité sociale. Fondatrice du cabinet NHUMA (équité en entreprise) et de l'Association The Wonders (autonomie économique des femmes), elle est conférencière internationale en Diversité, Inclusion et Équité.
Auteure et présentatrice pour Canal Plus de la série « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », elle explore les initiatives liées à la mode durable à travers le monde.
Auteure et présentatrice pour Canal Plus de la série « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », elle explore les initiatives liées à la mode durable à travers le monde.
Empreendedora em série, analista cultural e especialista colaborando com as Nações Unidas, Fatou passou dez anos de expatriação em três continentes antes de abandonar tudo pela equidade social. Fundadora do gabinete NHUMA (equidade empresarial) e da Associação The Wonders (autonomia económica das mulheres), é conferencista internacional em Diversidade, Inclusão e Equidade.
Autora e apresentadora para o Canal Plus da série « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », explora as iniciativas ligadas à moda sustentável em todo o mundo.
Autora e apresentadora para o Canal Plus da série « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », explora as iniciativas ligadas à moda sustentável em todo o mundo.
A serial entrepreneur, cultural analyst and expert collaborating with the United Nations, Fatou spent ten years of expatriation across three continents before leaving it all behind for social equity. Founder of the NHUMA consultancy (corporate equity) and The Wonders Association (women's economic empowerment), she is an international speaker on Diversity, Inclusion and Equity.
Author and presenter for Canal Plus of the series « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », she explores sustainable fashion initiatives around the world.
Author and presenter for Canal Plus of the series « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », she explores sustainable fashion initiatives around the world.
Biographie
Biografia
Biography
Artiste contemporain autodidacte originaire du Kerala, Sooraj Abraham développe une pratique singulière à l'intersection de l'art, de la conservation marine et du développement durable. Inspiré par l'expressionnisme de Vincent van Gogh, il peint à l'acrylique sur des matériaux de récupération issus de l'océan — filets fantômes, plastiques dérivants — transformés en support d'une œuvre engagée.
Fort de 27 ans d'expérience comme éducateur dans les universités du Kerala et formateur en soft skills, il est l'un des membres fondateurs de l'ONG environnementale Planatearth. À travers son Ocean Art, il donne une voix visuelle à la vie marine, attirant l'attention sur les dangers de la pollution plastique pour appeler à une responsabilité collective.
Fort de 27 ans d'expérience comme éducateur dans les universités du Kerala et formateur en soft skills, il est l'un des membres fondateurs de l'ONG environnementale Planatearth. À travers son Ocean Art, il donne une voix visuelle à la vie marine, attirant l'attention sur les dangers de la pollution plastique pour appeler à une responsabilité collective.
Artista contemporâneo autodidata originário do Kerala, Sooraj Abraham desenvolve uma prática singular na intersecção da arte, da conservação marinha e do desenvolvimento sustentável. Inspirado pelo expressionismo de Vincent van Gogh, pinta a acrílico sobre materiais de recuperação retirados do oceano — redes fantasma, plásticos à deriva — transformados em suporte de uma obra comprometida.
Com 27 anos de experiência como educador em universidades do Kerala e formador em soft skills, é um dos membros fundadores da ONG ambiental Planatearth. Através da sua Ocean Art, dá uma voz visual à vida marinha, chamando a atenção para os perigos da poluição plástica e apelando a uma responsabilidade coletiva.
Com 27 anos de experiência como educador em universidades do Kerala e formador em soft skills, é um dos membros fundadores da ONG ambiental Planatearth. Através da sua Ocean Art, dá uma voz visual à vida marinha, chamando a atenção para os perigos da poluição plástica e apelando a uma responsabilidade coletiva.
A self-taught contemporary artist from Kerala, Sooraj Abraham develops a singular practice at the intersection of art, marine conservation and sustainable development. Inspired by the expressionism of Vincent van Gogh, he paints in acrylic on recovered materials retrieved from the ocean — ghost nets, drifting plastics — transformed into the support of a committed body of work.
With 27 years of experience as an educator at universities in Kerala and as a soft skills trainer, he is one of the founding members of the environmental NGO Planatearth. Through his Ocean Art, he gives a visual voice to marine life, drawing attention to the dangers of plastic pollution and calling for collective responsibility.
With 27 years of experience as an educator at universities in Kerala and as a soft skills trainer, he is one of the founding members of the environmental NGO Planatearth. Through his Ocean Art, he gives a visual voice to marine life, drawing attention to the dangers of plastic pollution and calling for collective responsibility.
Metamorfose Urbana
Le Voyage Artistique
Une métamorphose continue entre deux capitales, deux regards, deux cultures.
2024
Lisbonne
Édition réalisée
La première édition prend vie à Lisbonne, marquant le début d'une aventure artistique unique. Les artistes portugais apportent leur regard singulier, réinventant les photographies parisiennes de Frédéric Bourret selon leur propre sensibilité.
Lancement du projet collaboratif et transdisciplinaire
Dialogue entre photographie et réinterprétations libres
Découverte de la scène artistique portugaise contemporaine
Peinture, dessin, musique, sculpture — une pluralité de médiums
Lisbonne · Paris
2026
Paris
Prochainement
L'exposition ouvre un nouveau chapitre dans la Ville Lumière. Les artistes portugais, au cœur du projet, y apportent leur regard singulier, faisant résonner leur sensibilité avec l'énergie de la capitale française. Leurs œuvres poursuivent leur métamorphose.
Retour aux sources — Paris photographié par Frédéric Bourret
Dialogue culturel France – Portugal au cœur du projet
Nouvelles collaborations artistiques internationales
Un espace de rencontre et de liberté pour l'imagination
« Une fusion artistique entre les photographies de Frédéric Bourret et les interprétations créatives des artistes donne naissance à un dialogue visuel captivant. »
Metamorfose Urbana · Paris 2026