Frédéric Bourret e amigos presentes
Metamorfose
urbana
A exposição estará aberta de 14 de novembro a 24 de novembro. A vernissage acontecerá no dia 14 de novembro a partir das 18h30 até às 21h30.
Calçada Cem Gallery
Calçada da estrela n°100
Lisboa 1200-665
VIDEO from André Filipe Guedes Pires
Este projeto de animação em 3D, inspirado na riqueza da mitologia grega, foi baseado em uma fotografia artística que capturou a essência de uma paisagem mediterrânea. A imagem serviu como base para a criação de uma cena animada em 3D, onde elementos icônicos da Grécia Antiga ganharam vida, como colunas de templos, esculturas de mármore e relevos esculpidos, todos meticulosamente modelados para evocar a grandiosidade da época.
Na animação, uma atmosfera mística se desenrola à medida que raios de luz atravessam as colunas e iluminam figuras que parecem ganhar vida. Movimentos sutis de câmera e efeitos de partículas foram usados para criar uma sensação imersiva, levando o espectador pela cena como se estivesse caminhando entre ruínas sagradas. Detalhes como o movimento das sombras e os reflexos de luz nos materiais foram cuidadosamente ajustados para transmitir um realismo mágico, fundindo passado e presente.
A narrativa visual gira em torno de uma estátua que, ao ser iluminada, simboliza o renascimento da sabedoria e o poder duradouro da cultura grega. Este projeto buscou capturar a aura mítica dos deuses e heróis gregos, reinterpretando a fotografia original para criar uma jornada visual.
This 3D animation project, inspired by the richness of Greek mythology, was based on an artistic photograph that captured the essence of a Mediterranean landscape. The image served as the foundation for creating a 3D animated scene, where iconic elements of Ancient Greece were brought to life, such as temple columns, marble sculptures, and carved reliefs, all meticulously modeled to evoke the grandeur of the era. In the animation, a mystical atmosphere unfolds as smoke light beams pierce through columns and illuminate figures, which seem to come to life.
Subtle camera movements and particle effects were used to create an immersive sensation, leading the viewer through the scene as if walking among sacred ruins. Details like shadow movements and light reflections on materials were carefully adjusted to convey a magical realism, merging past and present.
The visual narrative centers around a statue, when illuminated, symbolizes the rebirth of wisdom and the enduring power of Greek culture. This project sought to capture the mythical aura of Greek gods and heroes, reinterpreting the original photograph to create a visual journey
A Lusovini, prestigiada vinícola portuguesa, reconhecida pelo seu saber-fazer e vinhos autênticos, tem orgulho de apoiar a arte como patrocinadora de vinhos desta exposição. Uma aliança perfeita entre a paixão pelo vinho e a criatividade artísica.
Lusovini, prestigieux vignoble portugais, célèbre pour son savoir-faire et ses vins authentiques, est fier de soutenir l’art en tant que sponsor vin de cette exposition. Une alliance parfaite entre la passion du vin et la créativité artistique.
Lusovini, a prestigious Portuguese vineyard renowned for its craftsmanship and authentic wines, is proud to support the arts as the wine sponsor of this exhibition. A perfect alliance between a passion for wine and artistic creativity.
Uma fusão artística entre as fotografias de Frédéric Bourret e as interpretações criativas dos artistas dá origem a um diálogo visual cativante.
A Galeria Calçada cem tem o prazer de apresentar « Metamorfose Urbana », uma exposição que oferece uma oportunidade única de destacar o trabalho de Frédéric Bourret, enriquecido por uma colaboração dinâmica com artistas da França e de outros países. Frédéric expõe suas fotografias parisienses como uma tela em branco, onde cada artista é convidado a deixar sua assinatura, reinventando assim essas paisagens urbanas de acordo com suas próprias perspectivas artísticas e seus abundantes mundos imaginários.
Cada artista, com o seu toque pessoal, oferece uma visão única de Paris, manifestada através de uma diversidade de meios artísticos. Seja através da pintura, da escultura, da ciência, da música… ou de outras formas de expressão, juntas criam um diálogo enriquecedor sobre a influência e inspiração que a cidade exerce na arte.
“Metamorfose Urbana” repensa a exposição fotográfica tradicional para criar um ponto de encontro artístico cativante. As obras de Frédéric Bourret combinam as expressões artísticas de outras figuras emblemáticas da arte, numa harmonia de imagens cativantes e disciplinas artísticas variadas. Esta alquimia oferece uma experiência envolvente e revigorante, transportando os visitantes para um espaço de liberdade para a imaginação.
Contact : Florence contact@calcada-cem.com Frédéric Bourret : +33 665263682 contact@fredericbourret.art www.fredericbourret.com
CALCADA CEM Calçada da estrela n°100 Lisboa 1200-665 Tel : +351 917 476 678
MARIA
DE MEIDEROS
BIO
Maria de Medeiros, born in Lisbon, is an international actress and director. She began her career under the guidance of Portuguese directors such as João César Monteiro and Manoel de Oliveira. She was awarded the Volpi Cup for Best Actress at the Venice Film Festival for « Two Brothers, My Sister » by Teresa Villaverde.
Her work gained worldwide recognition through her role as Anaïs Nin in « Henry and June » by Philip Kaufman, and later with her appearance in Quentin Tarantino’s « Pulp Fiction. »
She has worked with Bigas Luna in Spain, Antonietta de Lillo, Marco Puccioni, and Abel Ferrara in Italy, Guy Maddin in Canada, Ishtar Yacin in Mexico, Miguel Faria in Brazil, among others.
Her first feature film as a director, « April Captains, » was selected at the Cannes Film Festival and won several international awards. She went on to direct two documentary feature films, « I Love You, Me Neither – Artists and Critics » and « Repare Bem – Bacuri’s Eyes. »
This film won the Jury Prize for Best Foreign Film, the Critics’ Prize, and the Don Quixote Prize at the Gramado Festival. It also won the Buenos Aires Political Film Festival (FICIP).
« Between Two Strangers, » her filmed correspondence with philosopher Stéphane Zagdanski, was exhibited in September 2016 at the Eric Dupont Gallery in Paris.
In Rio de Janeiro, she directed « To Our Children, » her second fiction feature, adapted from the play of the same name by Laura Castro, which she had performed on stage in Brazil. The film was released in France and Brazil in 2022 and was awarded multiple times at international festivals.
While working both in front of and behind the camera, she has continued her theater activities and made incursions into music as a singer and songwriter. She is an « Officer of Arts and Letters » in France.
However, her first mode of expression was drawing, which she notably uses for creating the storyboards of her films.
Maria de Medeiros, nascida em Lisboa, é uma atriz e realizadora internacional. Ela começou sua carreira pelas mãos de realizadores portugueses como João César Monteiro e Manoel de Oliveira. Foi premiada no Festival de Veneza com a Coppa Volpi de Melhor Atriz por « Dois Irmãos, Minha Irmã » de Teresa Villaverde.
Seu trabalho foi mundialmente reconhecido graças ao seu papel como Anaïs Nin, em « Henry e June », de Philip Kaufman, e sua participação em « Pulp Fiction », de Quentin Tarantino.
Ela trabalhou com Bigas Luna na Espanha, Antonietta de Lillo, Marco Puccioni e Abel Ferrara na Itália, Guy Maddin no Canadá, Ishtar Yacin no México, Miguel Faria no Brasil, entre outros.
Seu primeiro longa-metragem como realizadora, « Capitães de Abril », foi selecionado no Festival de Cannes e recebeu vários prêmios internacionais. Em seguida, dirigiu dois documentários de longa-metragem, « Eu te Amo, Eu Também Não – Artistas e Críticos » e « Repare bem – Os Olhos de Bacuri ».
Este filme ganhou o Prêmio do Júri de Melhor Filme Estrangeiro, o Prêmio da Crítica e o Prêmio Don Quixote no Festival de Gramado. Também foi vencedor do Festival de Cinema Político de Buenos Aires (FICIP).
« Entre Dois Desconhecidos », sua correspondência filmada com o filósofo Stéphane Zagdanski, foi exibida em setembro de 2016 na Galeria Eric Dupont em Paris.
No Rio de Janeiro, ela dirigiu « Aos Nossos Filhos », seu segundo longa-metragem de ficção, adaptado da peça homônima de Laura Castro, que ela havia interpretado no palco no Brasil. O filme foi lançado na França e no Brasil em 2022, e foi premiado várias vezes em festivais internacionais.
Trabalhando tanto na frente quanto atrás das câmeras, ela continuou sua atividade no teatro e fez incursões na música como cantora e compositora. Ela é « Oficial das Artes e das Letras » na França.
No entanto, seu primeiro modo de expressão foi o desenho, que ela usa especialmente para a realização dos storyboards de seus filmes.
Maria de Medeiros, née à Lisbonne, est une actrice et réalisatrice internationale. Elle a commencé sa carrière par la main de réalisateurs portugais comme João César Monteiro ou Manoel de Oliveira. Elle a été récompensée au Festival de Venise par la Coppa Volpi à la meilleure actrice pour « Deux frères, ma soeur » de Teresa Villaverde.
Son travail a été mondialement reconnu grâce à son rôle d’Anaïs Nin, dans « Henry and June », de Philip Kaufman, puis sa participation dans « Pulp Fiction » de Quentin Tarantino.
Elle travaille avec Bigas Luna en Espagne, Antonietta de Lillo, Marco Puccioni ou Abel Ferrara en Italie, Guy Maddin au Canada, Ishtar Yacin au Mexique, Miguel Faria au Brésil, entre autres.
Son premier long-métrage comme réalisatrice, « Capitaines d’Avril » a été sélectionné au Festival de Cannes et a obtenu plusieurs prix internationaux.
Elle réalise par la suite deux longs-métrages documentaires, « Je t’aime, moi non plus – Artistes et critiques » et « Repare bem – Les yeux de Bacuri ».
Ce film remporte le Prix du Jury du Meilleur Film étranger, le Prix de la Critique et le Prix Don Quichotte au Festival de Gramado.
Il est également vainqueur du Festival de Cinéma Politique de Buenos Aires (FICIP).
« Entre deux inconnus », sa correspondance filmée avec le philosophe Stéphane Zagdanski, a été exposée en septembre 2016 à la Galerie Eric Dupont à Paris.
Elle réalise à Rio de Janeiro, « À nos enfants », son deuxième long-métrage de fiction, adapté de la pièce de théâtre homonyme de Laura Castro, qu’elle avait joué sur les planches au Brésil. Le film est sorti en France et au Brésil en 2022, et a été plusieurs fois primé dans des festivals internationaux.
Tout en travaillant des deux côtés de la caméra, elle a poursuivi son activité au théâtre et fait des incursions dans la musique comme chanteuse et compositrice. Elle est « Officier des Arts et des Lettres » en France.
Toutefois, son mode d’expression premier a été le dessin. Elle y recourt notamment pour la réalisation des story-boards de ses films.
Photo © Dave Barbrow
GREGORY
BERNARD
BIO
Grégory is a socially committed entrepreneur with a background in Science and Technology from Ecole Centrale de Paris and political science from Sciences Po Paris and Georgetown School of Foreign Service. His career spans continents, from serving in the science department of the French Embassy in Washington DC to founding companies in tech, fashion, hospitality, and film across Europe, America, and Africa. He pioneered initiatives like TELOPAY in Africa, transforming public payphones into a social business empowering micro- entrepreneurs. He founded Realitism Films, producing eight feature films, including the international hits “Lagerfeld Confidential”, and “Rubber”. He founded OLT in 2009 a major luxury fashion player and CCCom, a talent platform in France. Bernard now lives in Portugal, where he created the hospitality and wellness group “Dr Bernard” in Lisbon, setting a new urban beach trend in Costa da Caparica.
Grégory é um empreendedor socialmente comprometido, com formação em Ciência e Tecnologia pela École Centrale de Paris e em Ciência Política pela Sciences Po Paris e pela Georgetown School of Foreign Service. Sua carreira abrange vários continentes, desde o serviço no departamento de ciência da Embaixada da França em Washington DC até a fundação de empresas nos setores de tecnologia, moda, hospitalidade e cinema na Europa, América e África. Ele foi pioneiro em iniciativas como o TELOPAY na África, transformando telefones públicos em um negócio social que empodera microempreendedores. Fundou a Realitism Films, produzindo oito longas-metragens, incluindo os sucessos internacionais « Lagerfeld Confidential » e « Rubber ». Em 2009, fundou a OLT, um importante ator no setor de moda de luxo, e a CCCom, uma plataforma de talentos na França. Atualmente, Bernard vive em Portugal, onde criou o grupo de hospitalidade e bem-estar « Dr Bernard » em Lisboa, estabelecendo uma nova tendência de praias urbanas na Costa da Caparica.
Grégory est un entrepreneur engagé socialement, avec une formation en sciences et technologies de l’École Centrale de Paris et en sciences politiques de Sciences Po Paris et de la Georgetown School of Foreign Service. Sa carrière s’étend sur plusieurs continents, allant de son service au sein du département scientifique de l’Ambassade de France à Washington DC à la création d’entreprises dans les domaines de la technologie, de la mode, de l’hôtellerie et du cinéma en Europe, en Amérique et en Afrique. Il a été pionnier d’initiatives comme TELOPAY en Afrique, transformant les cabines téléphoniques publiques en une entreprise sociale permettant à des micro-entrepreneurs de prospérer. Il a fondé Realitism Films, produisant huit longs métrages, dont les succès internationaux « Lagerfeld Confidential » et « Rubber ». En 2009, il a fondé OLT, un acteur majeur de la mode de luxe, ainsi que CCCom, une plateforme de talents en France. Bernard vit désormais au Portugal, où il a créé le groupe d’hôtellerie et de bien-être « Dr Bernard » à Lisbonne, initiant une nouvelle tendance des plages urbaines à Costa da Caparica.
LUISA
PACHECO
BIO
Luísa Pacheco is an accomplished production designer, art director, and set designer with over thirty years of experience in advertising, cinema, theater, and museology. Based in both Lisboa and London, Luísa has maintained an active international career since her studies in London. She excels in selecting and coordinating multidisciplinary teams and is always eager to take on new projects.
In addition to her design work, Luísa is also a multidisciplinary visual artist. Her artistic endeavors encompass spatial design, costume creation, painting, and jewelry design. She creates costumes for both film and theater, channeling her artistic disruptive vision into her work and enriching the dystopic contemporary art.
Luísa Pacheco é uma conceituada designer de produção, diretora de arte e cenógrafa com mais de trinta anos de experiência em publicidade, cinema, teatro e museologia. Reside em Lisboa e em Londres, Luísa manteve uma carreira internacional ativa desde os seus estudos em Londres. Destaca-se na intervenção de áreas multidisciplinares e na coordenação seleção e coordenação das suas equipas e está sempre pronta a embarcar em novos projetos.
Além do seu trabalho de design,Luísa também é uma artista visual multidisciplina. Os seus projetos artísticos abrangem a criação de figurinos para ambos cinema e teatro, pintura e a criação de joias. A multidisciplinariedade do seu trabalho confere uma visão artística disruptiva na distopia da cena artística contemporânea.
Luísa Pacheco est une décoratrice de production, directrice artistique et scénographe accomplie, avec plus de trente ans d’expérience dans la publicité, le cinéma, le théâtre et la muséologie. Basée à la fois à Lisbonne et à Londres, Luísa mène une carrière internationale active depuis ses études à Londres. Elle excelle dans la sélection et la coordination d’équipes multidisciplinaires et est toujours prête à relever de nouveaux défis.
En plus de son travail de design, Luísa est également une artiste visuelle multidisciplinaire. Ses créations artistiques couvrent le design spatial, la création de costumes, la peinture et la conception de bijoux. Elle crée des costumes pour le cinéma et le théâtre, insufflant sa vision artistique disruptive dans son travail et enrichissant l’art contemporain dystopique.
FATOU
BIO
Founder of NHUMA, a consulting firm specializing in promoting equity in the workplace, Fatou also embodies her commitment through The Wonders Association, which works for professional equality and women’s economic empowerment. As a speaker and trainer in Diversity, Inclusion, and Equity, she shares her expertise worldwide.
Beyond her professional involvement, Fatou is also invested in sustainable fashion. As the author and host of a captivating documentary series for Canal Plus, titled « Les Nouveaux Explorateurs – En mode Fatou », she explores trends and initiatives related to sustainability in fashion.
Fatou é uma empreendedora em série, analista cultural, palestrante internacional e especialista que colabora com as Nações Unidas. Seu percurso atípico a levou a uma década de expatrição, vivendo em três continentes, incluindo a Austrália, onde liderou com excelência o departamento de Comércio Internacional em uma prestigiosa empresa de consultoria do Big Four. Apesar de seu sucesso no mundo dos negócios, Fatou decidiu abandonar tudo para se dedicar totalmente a uma causa que lhe é profundamente cara: a equidade social.
Fundadora da consultoria NHUMA, especializada na promoção da equidade nas empresas, Fatou também personifica seu compromisso através da Associação The Wonders, que trabalha pela igualdade profissional e a autonomia econômica das mulheres. Como palestrante e formadora em Diversidade, Inclusão e Equidade, ela compartilha sua expertise em todo o mundo.
Além de sua atuação profissional, Fatou também está envolvida na moda sustentável. Como autora e apresentadora de uma série documental cativante para o Canal Plus, intitulada « Os Novos Exploradores – No estilo Fatou », ela explora as tendências e iniciativas relacionadas à sustentabilidade na moda.
ILYA
SEMIONOFF
BIO
Ilya Semionoff, 49 years old, of French nationality, has been a permanent resident in Portugal for 25 years. An architect and entrepreneur, he dedicates his professional life to urban restoration and the preservation of our tangible and intangible heritage.
He began learning engraving, watercolor, and oil painting techniques at the Fine Arts School in France in the early 1990s, receiving the « Jean Arsac » and « Caísse d’Epargne » awards in 1995 and 1996, respectively.
From the late 1990s onwards, he introduced the knowledge he acquired, particularly concerning color and its materiality, from the master painter Jean François Chambari into his architectural work.
Over the last two decades, he has been recognized with the « Alexandre Herculano » award in 2006 and the « Urban Rehabilitation Award » in 2019.
Ilya Semionoff, 49 ans, de nationalité française, est résident permanent au Portugal depuis 25 ans. Architecte et entrepreneur, il consacre sa vie professionnelle à la restauration urbaine et à la préservation de notre patrimoine matériel et immatériel.
Il a commencé à apprendre les techniques de gravure, d’aquarelle et de peinture à l’huile à l’École des Beaux-Arts en France au début des années 1990, recevant les prix « Jean Arsac » et « Caisse d’Épargne » respectivement en 1995 et 1996.
À partir de la fin des années 1990, il a introduit dans son travail architectural les connaissances qu’il avait acquises, notamment en matière de couleur et de sa matérialité, auprès du maître peintre Jean François Chambari.
Au cours des deux dernières décennies, il a été reconnu par le prix « Alexandre Herculano » en 2006 et le « Prix de Réhabilitation Urbaine » en 2019.
Coletivo Triciclo
BIO
Triciclo is an artistic collective created by three friends — Vasco, Tomás, and Gil — who felt that their university, the Faculty of Fine Arts of Lisbon, needed a constant presence of artistic creation in its space. They started painting on raw canvas and paper on the walls of the university courtyard, without any specific theme, bringing in elements and motifs from their individual creations. When combined, these result in a strange mix of anomalous and bizarre compositions, which ultimately become harmonious depending on the mood.
Drawing on artistic references, from music to sex, from everyday situations to animalia, through satires and metaphors, using a language of acrylic paint brushed with clarity and delicacy, collages, graphite, and charcoal, and employing color to express the depth of what is experienced there, Triciclo stands out for the irreverence and boldness it brings to its work. This is achieved through a curious symbiosis of the distinct styles of each member of the collective.
Triciclo est un collectif artistique créé par trois amis — Vasco, Tomás et Gil — qui ont ressenti que leur université, la Faculté des Beaux-Arts de Lisbonne, manquait d’une présence constante de création artistique dans son espace. Ils ont commencé à peindre sur des toiles brutes et du papier, sur les murs de la cour de l’université, sans thème précis, en y intégrant des éléments et des motifs issus de leurs créations individuelles. Une fois combinés, ceux-ci forment un mélange étrange de compositions anormales et bizarres, qui finissent par devenir harmonieuses selon l’humeur.
S’inspirant de références artistiques, allant de la musique au sexe, des situations quotidiennes à l’animalité, en passant par des satires et des métaphores, en utilisant un langage de peinture acrylique appliquée avec clarté et délicatesse, des collages, du graphite et du fusain, et en employant la couleur pour exprimer la profondeur de ce qui est vécu là, Triciclo se distingue par l’irrévérence et l’audace qu’il apporte à ses œuvres. Cela est réalisé grâce à une symbiose curieuse des styles distincts de chaque membre du collectif.
LEONARDO
QUINTANEIRO
BIO
PAULO
GRANJA
BIO
JOSE
GRAZINA
BIO
José Grazina was born in Redondo in 1964. He attended the decorative arts course at the António Arroio School, specializing in textile printing and weaving. He studied painting and completed the drawing course at the National Society of Fine Arts in Lisbon. He also completed the Art Education course in Dramatic Expression, with the support of the Calouste Gulbenkian Foundation, under the guidance of professor and director João Mota. He won the 1st Painting Prize with the work Transfiguração II at the 1st Nazaré Biennial – Thomas de Mello Prize. He received an Honorable Mention in Drawing at the Nazaré Cultural Center. In Macau, in collaboration with Gallery 57, he led drawing and painting workshops for the Oriente Foundation. He created the set design for the ballet Who Cares? by George Balanchine for the National Ballet Company, which premiered at the Rivoli Theatre, Porto. He restored the curtain, set, costumes, and props for Igor Stravinsky’s The Rite of Spring for the National Ballet Company, presented at the Camões Theatre in Lisbon. He worked on a painting and drawing project based on Anton Chekhov’s Ivanov, directed by Tonan Quito and presented at the Maria Matos Theatre in Lisbon. He performed live painting on stage for the project Apartado 147, based on Fernando Pessoa’s letters to Ophélia Queiroz, directed by Paulo Pinto, with Pedro Lacerda, Paulo Pinto, and José Grazina, in collaboration with Primeiros Sintomas. Inspired by Georg Büchner’s work Lenz, a creation by actor Pedro Lacerda was presented at ZDB, a proposal for an actor and a painter, with Pedro Lacerda and José Grazina. He participated in the European Literature Night project at the invitation of actor Ùlisses Bravo Ceia and the Goethe-Institut Portugal, performing painting on the stairs of the A Embaixada space, Príncipe Real. He also painted live on stage, in the staging of Pedro Lacerda’s The Passion According to John by Antonio Tarantino, presented at Novo Negócio, ZDB, with Pedro Lacerda and Vítor d’Andrade, winning the Best Director and Best Actor awards in 2021, awarded by the Portuguese Authors Society. His work is represented in public and private collections, and he has exhibited regularly since 1989.
José Grazina nasceu em Redondo, 1964. Frequentou o curso de artes decorativas da escola António
Arroio na área de tecidos estamparia e tecelagem. O Curso de pintura e concluiu o curso de desenho na Sociedade Nacional de Belas Artes de Lisboa. Concluiu o curso de Educação Pela Arte, em Expressão Dramática, com o apoio da Fundação Calouste Gulbenkian, com a orientação do professor e encenador João Mota. 1o Prémio de Pintura, com a obra “Transfiguração II“, I Bienal da Nazaré – Prémio Thomas de Mello. Menção Honrosa em desenho, Centro Cultural da Nazaré. Orientou em Macau, com colaboração da Galeria 57 Whorkshops, desenho e pintura para a Fundação Oriente. Criou para a Companhia Nacional de Bailado a cenografia do bailado, “Who Cares?” de George Balanchine, com estreia no teatro Rivoli, Porto. Recuperou o Pano de boca, cenário, figurinos e adereços para o Bailado, A Sagração da Primavera de Igor Stravinsky, para a Companhia Nacional de Bailado, apresentado no teatro Camões, Lisboa. Projecto em pintura e
desenho, a partir da obra Ivanov de Anton Tchékhov, encenado por Tonan Quito, apresentado no teatro Maria Matos, Lisboa. Pintura em palco, no projecto, Apartado 147, Lx, cartas de Fernando Pessoa a Ophélia Queiroz, direcção de Paulo Pinto, com Pedro Lacerda, Paulo Pinto e José Grazina, em colaboração com os Primeiros Sintomas, A partir da obra de Georg Bucher, Lenz, é apresentado na ZDB uma criação do actor Pedro Lacerda, proposta para um actor e um pintor, com Pedro Lacerda e José Grazina. Integra o projecto, Noite da Literatura Europeia a convite do actor Ùlisses Bravo Ceia e o Goethe-Institut Portugal, pintura nas escadarias do espaço A Embaixada, Príncipe Real. Pintura em cena, encenação de Pedro Lacerda, A Paixão Segundo João, de António Tarantino, apresentado no Novo Negócio, ZDB, com Pedro Lacerda e Vítor d,Andrade, prémio de melhor encenação e de melhor actor de 2021, pela Sociedade Portuguesa de Autores. Está representado em colecções públicas e privadas, expõe com regularidade desde 1989.
José Grazina est né à Redondo, en 1964. Il a suivi le cours d’arts décoratifs à l’école António Arroio dans le domaine des tissus, de l’impression et du tissage. Il a suivi un cours de peinture et a terminé son cursus de dessin à la Société Nationale des Beaux-Arts de Lisbonne. Il a également achevé un cours d’Éducation par l’Art, en Expression Dramatique, avec le soutien de la Fondation Calouste Gulbenkian, sous la direction du professeur et metteur en scène João Mota. Il a remporté le 1er Prix de Peinture, avec l’œuvre « Transfiguração II », à la I Biennale de Nazaré – Prix Thomas de Mello. Mention Honorable en Dessin, au Centre Culturel de Nazaré. À Macao, en collaboration avec la Galerie 57, il a dirigé des ateliers de dessin et de peinture pour la Fondation Oriente. Il a créé la scénographie du ballet « Who Cares ? » de George Balanchine pour la Companhia Nacional de Bailado, présenté au théâtre Rivoli, Porto. Il a restauré le rideau de scène, le décor, les costumes et accessoires pour le ballet Le Sacre du Printemps d’Igor Stravinsky, pour la Companhia Nacional de Bailado, présenté au théâtre Camões, à Lisbonne. Il a également réalisé un projet de peinture et de dessin basé sur l’œuvre Ivanov d’Anton Tchékhov, mis en scène par Tonan Quito et présenté au théâtre Maria Matos, à Lisbonne. Il a effectué une performance de peinture en direct dans le projet Apartado 147, basé sur les lettres de Fernando Pessoa à Ophélia Queiroz, dirigé par Paulo Pinto, avec Pedro Lacerda, Paulo Pinto et José Grazina, en collaboration avec les Primeiros Sintomas. D’après l’œuvre de Georg Büchner, Lenz, une création de l’acteur Pedro Lacerda a été présentée à la ZDB, une proposition pour un acteur et un peintre, avec Pedro Lacerda et José Grazina. Il a participé au projet La Nuit de la Littérature Européenne, à l’invitation de l’acteur Ùlisses Bravo Ceia et de l’Institut Goethe Portugal, avec une performance de peinture sur les escaliers de l’espace A Embaixada, Príncipe Real. Il a également peint en scène, dans la mise en scène de Pedro Lacerda, La Passion selon Jean d’Antonio Tarantino, présenté au Novo Negócio, ZDB, avec Pedro Lacerda et Vítor d’Andrade, prix de la meilleure mise en scène et du meilleur acteur en 2021, décernés par la Société Portugaise des Auteurs. Il est représenté dans des collections publiques et privées, et expose régulièrement depuis 1989.
CARLOS
POSSOLO
BIO
Degree in Painting, final mark of 18/20, from the Faculty of Fine Arts of the Lisbon University. In 1995 he accepted an invitation to teach at the Faculty. He had read Architecture at the Technical University of Lisbon from 1986 to 1989. He was officially commissioned to paint the Portrait of the Portuguese president Cavaco Silva, shown at the Presidents’ Gallery permanent collection in the Museum of the Presidency of the Republic, since 2016. Since 1995 he has been co-operating with the Portuguese Mail in the production of originals for the printing of stamps, notably their commemorative series of the 500th anniversary of Vasco da Gama’s arrival in India (1996-98), and also with the Portuguese edition of the National Geographic Magazine (first nine issues). His works can be found in private collections in Portugal, Spain, France, Switzerland, Italy – most notably, of many in this country, in that of Prince Jonathan Doria- Pamphilj – The Netherlands, the United Kingdom, U S A and Argentina. Also, in public collections such as the Vatican (IOR), The White House, the Bank of Portugal, the Portuguese Museum of Communications, The Setubal Museum, and the Union of Portuguese Speaking Capital Cities.
Licenciatura em Pintura, com nota final de 18/20, pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Em 1995, aceitou um convite para lecionar na Faculdade. Estudou Arquitetura na Universidade Técnica de Lisboa de 1986 a 1989. Foi oficialmente encarregado de pintar o Retrato do Presidente português Cavaco Silva, exposto na coleção permanente da Galeria dos Presidentes no Museu da Presidência da República, desde 2016. Desde 1995, tem colaborado com os CTT (Correios de Portugal) na produção de originais para a impressão de selos, destacando-se a série comemorativa dos 500 anos da chegada de Vasco da Gama à Índia (1996-98), assim como com a edição portuguesa da revista National Geographic (nos primeiros nove números). As suas obras encontram-se em coleções particulares em Portugal, Espanha, França, Suíça, Itália – notavelmente, entre outras neste país, na do Príncipe Jonathan Doria-Pamphilj – Países Baixos, Reino Unido, EUA e Argentina. Também em coleções públicas, como a do Vaticano (IOR), da Casa Branca, do Banco de Portugal, do Museu das Comunicações de Portugal, do Museu de Setúbal, e da União das Cidades Capitais de Língua Portuguesa.
Licence en Peinture, avec une note finale de 18/20, obtenue à la Faculté des Beaux-Arts de l’Université de Lisbonne. En 1995, il a accepté une invitation à enseigner à la Faculté. Il a étudié l’Architecture à l’Université Technique de Lisbonne de 1986 à 1989. Il a été officiellement chargé de peindre le Portrait du président portugais Cavaco Silva, exposé dans la collection permanente de la Galerie des Présidents au Musée de la Présidence de la République, depuis 2016. Depuis 1995, il collabore avec les CTT (Postes du Portugal) pour la production d’originaux destinés à l’impression de timbres, notamment la série commémorative des 500 ans de l’arrivée de Vasco de Gama en Inde (1996-98), ainsi qu’avec l’édition portugaise de la revue National Geographic (pour les neuf premiers numéros). Ses œuvres figurent dans des collections privées au Portugal, en Espagne, en France, en Suisse, en Italie – notamment, parmi d’autres dans ce pays, dans celle du Prince Jonathan Doria-Pamphilj – aux Pays-Bas, au Royaume-Uni, aux États-Unis et en Argentine. Elles se trouvent également dans des collections publiques, comme celle du Vatican (IOR), de la Maison Blanche, de la Banque du Portugal, du Musée des Communications du Portugal, du Musée de Setúbal, et de l’Union des Villes Capitales de Langue Portugaise.
VALERIE
KAYE
BIO
Valerie Kaye began her career as a graphic designer having graduating from Parsons School of Design in New York in 1991. After a spell in advertising, and a sojourn in Africa, Valerie moved into the world of humanitarian assistance.
She worked for the ICRC during the war in former Yugoslavia and then in Colombia providing protection support for civilians caught between the militias and the FARC rebels.
Her marriage to Chris, a fellow Humanitarian and UN official, subsequently took her to Pakistan and Afghanistan where she focused attention on issues of human rights. While in South Africa, Valerie gained a black belt in Tae-qwendo as well as a private pilots licence. During her time in Myanmar, Valerie worked as a clandestine journalist for The Guardian. Since returning to Europe, Valerie has worked for Caritas International and most recently, the UN World Food Programme, where she has led the development and roll out of a organisational wide internal training programme on Respect in the workplace. Throughout her travels, Valerie has maintained a close connection to local art and design and this remains a central core of who she is and how she understands the people and places she has lived. Valerie is 57, is married and is the mother of two children, Tessa and Elliot.
Valerie Kaye começou sua carreira como designer gráfica após se formar na Parsons School of Design, em Nova York, em 1991. Depois de um período na publicidade e uma estadia na África, Valerie entrou no mundo da assistência humanitária. Ela trabalhou para o CICV durante a guerra na ex-Iugoslávia e, posteriormente, na Colômbia, prestando apoio de proteção a civis presos entre as milícias e os rebeldes das FARC.
Seu casamento com Chris, também um humanitário e oficial da ONU, a levou posteriormente ao Paquistão e ao Afeganistão, onde ela concentrou sua atenção em questões de direitos humanos. Enquanto esteve na África do Sul, Valerie conquistou uma faixa preta em Tae-kwon-do, bem como uma licença de piloto privado. Durante seu tempo em Mianmar, Valerie trabalhou como jornalista clandestina para o The Guardian. Desde seu retorno à Europa, Valerie trabalhou para a Caritas International e, mais recentemente, no Programa Mundial de Alimentos da ONU, onde liderou o desenvolvimento e implementação de um programa de treinamento interno sobre Respeito no local de trabalho.
Ao longo de suas viagens, Valerie manteve uma conexão estreita com a arte e o design locais, que continuam sendo parte central de sua identidade e da forma como entende as pessoas e os lugares onde viveu. Valerie tem 57 anos, é casada e mãe de dois filhos, Tessa e Elliot.
Valerie Kaye a débuté sa carrière en tant que graphiste après avoir obtenu son diplôme de la Parsons School of Design à New York en 1991. Après un passage dans la publicité et un séjour en Afrique, Valerie s’est orientée vers le monde de l’aide humanitaire.
Elle a travaillé pour le CICR pendant la guerre en ex-Yougoslavie, puis en Colombie, où elle a apporté un soutien de protection aux civils pris entre les milices et les rebelles des FARC.
Son mariage avec Chris, un autre humanitaire et fonctionnaire des Nations Unies, l’a ensuite conduite au Pakistan et en Afghanistan, où elle s’est concentrée sur les questions de droits humains. En Afrique du Sud, Valerie a obtenu une ceinture noire de Tae-kwendo ainsi qu’une licence de pilote privé. Pendant son séjour au Myanmar, elle a travaillé en tant que journaliste clandestine pour The Guardian. Depuis son retour en Europe, Valerie a travaillé pour Caritas International et, plus récemment, pour le Programme Alimentaire Mondial des Nations Unies, où elle a dirigé le développement et le déploiement d’un programme de formation interne à l’échelle de l’organisation sur le respect sur le lieu de travail. Tout au long de ses voyages, Valerie a conservé un lien étroit avec l’art et le design locaux, qui demeurent une part essentielle de son identité et de sa manière de comprendre les personnes et les lieux où elle a vécu. Valerie a 57 ans, est mariée et est mère de deux enfants, Tessa et Elliot.
GAEL
CHARRON
BIO
I am Gaël Charron, an emerging artist exploring the intricacies of pen drawing and writing. Under the artist name « Marghan, » I fuse these two forms of expression to create captivating works. Although I cannot claim an illustrious artistic heritage, my journey is marked by an innate passion for creativity that has always driven me. Each pen stroke is an exploration of human complexity, a dive into the depths of the soul. Through my drawings, I try to capture the emotions and stories that reside within each individual, offering a glimpse into the richness of the human experience. Accompanying my drawings, my texts add an additional dimension to my creations, allowing viewers to delve even deeper into my artistic universe. In each word, I seek to convey emotions, reflections, and stories that resonate with the hearts of those who contemplate my works. My artistic path is strewn with challenges and obstacles, but it is precisely in these moments of struggle that I find my resilience and determination. Each creation is another step toward realizing my artistic potential, and each work is an offering of my vision of the world. I firmly believe that my works will evolve as I work on my resilience. As I overcome obstacles and grow as an artist and an individual, colors will gradually take their place in my works, reflecting the light and hope that emanate from this resilience. I have had the opportunity to exhibit my works at Kamu in Clichy and the « Village Suisse » gallery in the 15th arrondissement of Paris. The positive reception of my creations has encouraged me to participate in the second edition of the exhibition at the same place, an opportunity to once again share my passion withan everwider audience. Through my art, I seek to inspire, move, and elevate those who contemplate it, offering a refuge in the beauty and truth of artistic expression. My artist name, Marghan, reflects this constant quest for meaning and connection through art, an invitation to explore the depths of the human soul through my creations. Eugène Boudin was my great-grandfather, a figure whose artistic legacy continues to influence my own creative exploration, thus connecting me to a rich and inspiring artistic heritage.
Sou Gaël Charron, um artista emergente que explora as intricâncias do desenho a caneta e da escrita. Sob o nome artístico « Marghan », eu fundo essas duas formas de expressão para criar obras cativantes. Embora eu não possa reivindicar um legado artístico ilustre, meu percurso é marcado por uma paixão inata pela criatividade que sempre me animou. Cada traço de caneta é para mim uma exploração da complexidade humana, um mergulho nas profundezas da alma. Através dos meus desenhos, tento capturar as emoções e histórias que habitam cada indivíduo, oferecendo uma visão da riqueza da experiência humana. Acompanhando meus desenhos, meus textos adicionam uma dimensão adicional às minhas criações, permitindo aos espectadores mergulhar ainda mais profundamente no meu universo artístico. Em cada palavra, procuro transmitir emoções, reflexões e histórias que ressoam com o coração daqueles que contemplam minhas obras. Meu caminho artístico é pontuado por desafios e obstáculos, mas é precisamente nesses momentos de luta que encontro minha resiliência e determinação. Cada criação é mais um passo em direção à realização do meu potencial artístico, e cada obra é uma oferta da minha visão do mundo. Acredito firmemente que minhas obras evoluirão à medida que trabalho na minha resiliência. À medida que supero os obstáculos e cresço como artista e indivíduo, as cores tomarão gradualmente seu lugar nas minhas obras, refletindo a luz e a esperança que emanam dessa resiliência. Tive a oportunidade de expor minhas obras no Kamu em Clichy e na galeria « Village Suisse » no 15º arrondissement de Paris. A recepção positiva das minhas criações me incentivou a participar da segunda edição da exposição no mesmo local, uma oportunidade de compartilhar mais uma vez minha paixão com um público cada vez mais amplo. Através da minha arte, procuro inspirar, emocionar e elevar aqueles que a contemplam, oferecendo um refúgio na beleza e na verdade da expressão artística. Meu nome artístico, Marghan, é o reflexo dessa busca constante por significado e conexão através da arte, um convite para explorar as profundezas da alma humana através das minhas criações. Eugène Boudin era meu bisavô, uma figura cujo legado artístico continua a influenciar minha própria exploração criativa, conectando-me assim a um legado artístico rico e inspirador.
Je suis Gaël Charron, un artiste émergent qui explore les intrications du dessin au stylo et de l’écriture. Sous le nom d’artiste « Marghan« , je fusionne ces deux formes d’expression pour créer des œuvres captivantes. Bien que je ne puisse revendiquer un héritage artistique illustre, mon parcours est marqué par une passion innée pour la créativité qui m’anime depuis toujours. Chaque coup de stylo est pour moi une exploration de la complexité humaine, une plongée dans les méandres de l’âme. À travers mes dessins, j’essaie de capturer les émotions et les histoires qui habitent chaque individu, offrant un aperçu de la richesse de l’expérience humaine.
Accompagnant mes dessins, mes textes ajoutent une dimension supplémentaire à mes créations, permettant aux spectateurs de plonger encore plus profondément dans mon univers artistique. Dans chaque mot, je cherche à transmettre des émotions, des réflexions et des histoires qui résonnent avec le cœur de ceux qui contemplent mes œuvres. Mon chemin artistique est parsemé de défis et d’obstacles, mais c’est précisément dans ces moments de lutte que je puise ma résilience et ma détermination. Chaque création est un pas de plus vers la réalisation de mon potentiel artistique, et chaque œuvre est une offrande de ma vision du monde.
Je crois fermement que mes œuvres vont évoluer au fur et à mesure de la résilience sur laquelle je travaille. Comme je surmonte les obstacles et que je grandis en tant qu’artiste et en tant qu’individu, les couleurs vont prendre place progressivement dans mes œuvres, reflétant la lumière et l’espoir qui émanent de cette résilience. J’ai eu l’opportunité d’exposer mes œuvres au Kamu à Clichy ainsi que dans la galerie « Village Suisse » dans le 15ème arrondissement de Paris. La réception positive de mes créations m’a incité à participer à la deuxième édition de l’exposition au même endroit, une occasion de partager une fois de plus ma passion avec un public toujours plus large.
À travers mon art, je cherche à inspirer, à émouvoir et à élever ceux qui le contemplent, offrant un refuge dans la beauté et la vérité de l’expression artistique. Mon nom d’artiste, Marghan, est le reflet de cette quête constante de sens et de connexion à travers l’art, une invitation à explorer les profondeurs de l’âme humaine à travers mes créations. Eugène Boudin était mon arrière-grand-père, une figure dont l’empreinte artistique continue d’influencer ma propre exploration créative, me reliant ainsi à un héritage artistique riche et inspirant.
YVO
ABADI
BIO
Yvo is selftaught and began playing classical drums and percussion at the age of 13. He honed his skills by performing live with bands in a wide variety of styles (Brazilian, African, Eastern, jazz, funk, rock) in Paris. Meanwhile, he joined Applied Arts, where he studied drawing and sculpture.
Albums and live performances: Yvo Abadi has participated in many albums and concerts. The list is long, so here is a summary of the key moments: In the late 80s, he met Guesch Patti, with whom he recorded several albums, including the one featuring « Etienne Etienne. » For years, Yvo was also her drummer on tours and concerts. In the early 90s, he joined the group Pow Wow, becoming the percussionist and the sole musician for the albums (Le Chat, Le lion est mort ce soir, etc.) and the tours. In the early 2000s, Yvo was recruited as a drummer by the group Tarmac, created by Gaëtan Roussel and Arnaud Samuel after the breakup of the group Louise Attaque. Yvo recorded two albums and went on tour. During this time, Yvo participated in Emilie Simon’s first album, which won the Prix Constantin in 2003 and the award for « Electronic Music Album, Groove, Dance of the Year » at the Victoires de la Musique in 2004. Since 2003, Yvo has joined the Malian group Amadou & Mariam, of which he is still the drummer to this day. This gave him the opportunity to play on stages around the world (opening the Football World Cup in South Africa in 2010, opening for U2, Coldplay, etc.) and to participate in Damon Albarn’s Africa Express project. He had the chance to play with his idols John Paul Jones (Led Zeppelin’s bassist), Mick Jones (guitarist for the Clash), and David Gilmour (Pink Floyd). He also did two tours in the United States with the Blind Boys of Alabama.
Composition, editing, recording, and production: Since the 2000s, Yvo created his own studio at the Le Louxor cinema in Barbès, along with his musician friend Miguel Saboga, and formed a team of musicians and sound engineers. The studio was later moved to Saint Ouen. Since its creation, the LOUXOR MUSIC team has composed and recorded around thirty albums for music libraries, as well as soundtracks for commercials.
Music and well-being… Since the 80s/90s, Yvo has been interested in artistic encounters that mix musical and bodily experiences. He occasionally intervenes in dance therapy workshops to create a sound environment. Shortly before the 2000s, Yvo met yoga teacher Mika Debrito, with whom he discovered and practiced this discipline. Since then, yoga has been part of his daily routine. With Mika, he shared trips (India, Sri Lanka) during which their affinity with yoga brought them even closer. Together, Yvo and Mika have recorded several albums of yoga music. They also organized yoga workshops with music at the Quai Branly Museum, as well as in yoga festivals.
Yvo é autodidata e começa aos 13 anos a tocar tambor clássico e bateria. Ele aperfeiçoa suas habilidades tocando ao vivo com bandas e estilos muito variados (brasileiro, africano, oriental, jazz, funk, rock) em Paris. Paralelamente, ele ingressa nas Artes Aplicadas, onde estuda desenho e escultura.
Álbuns e apresentações ao vivo
Yvo Abadi participou de muitos álbuns e concertos. A lista é longa, então aqui está um resumo dos principais momentos.
No final dos anos 80, ele conhece Guesch Patti, com quem grava vários álbuns, incluindo aquele em que aparece « Etienne Etienne ». Durante anos, Yvo também foi seu baterista em turnês e concertos.
No início dos anos 90, ele se junta ao grupo Pow Wow, do qual se torna percussionista e único músico dos álbuns (Le Chat, Le lion est mort ce soir, etc.) e das turnês.
No início dos anos 2000, Yvo é recrutado como baterista pelo grupo Tarmac, criado por Gaëtan Roussel e Arnaud Samuel após a separação do grupo Louise Attaque. Yvo grava dois álbuns e parte em turnê.
Nessa época, Yvo participa do primeiro álbum de Emilie Simon, que ganhou o Prêmio Constantin em 2003 e o prêmio de « Álbum de Música Eletrônica, Groove, Dance do Ano » no Victoires de la Musique de 2004.
Desde 2003, Yvo juntou-se ao grupo malinês Amadou & Mariam, do qual é baterista até hoje. Isso lhe deu a oportunidade de tocar em palcos ao redor do mundo (abertura da Copa do Mundo de Futebol na África do Sul em 2010, abertura para U2, Coldplay, etc.) e de participar do projeto Africa Express de Damon Albarn. Ele teve a oportunidade de tocar com seus ídolos John Paul Jones (baixista do Led Zeppelin), Mick Jones (guitarrista dos Clash) e David Gilmour (Pink Floyd). Ele também fez duas turnês nos Estados Unidos com os Blind Boys of Alabama.
Composição, edição, gravação e produção
Desde os anos 2000, Yvo criou seu próprio estúdio nos locais do cinema Le Louxor em Barbès, junto com seu amigo músico Miguel Saboga, e formou uma equipe de músicos e engenheiros de som. O estúdio foi posteriormente transferido para Saint Ouen.
Desde sua criação, a equipe da LOUXOR MUSIC compôs e gravou:
- cerca de trinta álbuns para bibliotecas musicais, além de trilhas sonoras para comerciais.
Música e bem-estar…
Desde os anos 80/90, Yvo se interessa por encontros artísticos que misturam experiências musicais e corporais. Ele intervém ocasionalmente em oficinas de dança-terapia para criar um ambiente sonoro.
Pouco antes dos anos 2000, Yvo conhece o professor de ioga Mika Debrito, com quem descobre essa disciplina e a pratica. Desde então, o ioga faz parte de sua rotina diária.
Com Mika, ele compartilhou viagens (Índia, Sri Lanka) durante as quais sua afinidade com o ioga os aproximou ainda mais.
Juntos, Yvo e Mika gravaram vários álbuns de música para ioga.
Eles também organizaram oficinas de ioga com música no Museu do Quai Branly, assim como em festivais de ioga.
Yvo est autodidacte et commence à l’âge de 13 ans à jouer du tambour classique et de la batterie. Il se perfectionnera en jouant sur scène avec des groupes et des styles très variés (brésilien, africain, oriental, jazz, funk, rock) à Paris. Parallèlement, il rentre aux Arts appliqués où il étudiera le dessin et la sculpture.
Albums et scène
Yvo Abadi a participé à de nombreux albums et concerts, la liste étant longue, voici un résumer dans les grandes lignes.
A la fin des années 80, il rencontre Guesch Patti avec qui il enregistre plusieurs albums dont celui où apparaît « Etienne Etienne ». Pendant des années, Yvo est également son batteur pour les tournées et concerts.
Au début des années 90, il intègre le groupe Pow Wow dont il devient le percussionniste et seul musicien pour les albums (Le chat, Le lion est mort ce soir, etc.) et les tournées.
Au début des années 2000, Yvo est recruté comme batteur par le groupe Tarmac créé par Gaëtan Roussel et Arnaud Samuel suite à la scission du groupe Louise Attaque : Yvo enregistre deux albums et part en tournée.
A cette période, Yvo participe au premier album d’Emilie Simon qui remportera le Prix Constantin en 2003 et la récompense d’Album de musiques électroniques, groove, dance de l’année » au Victoires de la musique 2004.
Depuis 2003, Yvo a rejoint le groupe malien Amadou & Mariam dont il est le batteur encore actuellement. Cela lui offre l’opportunité de parcourir les scènes du monde (ouverture de la coupe du monde de football en Afrique du Sud en 2010, première partie de U2, de Coldplay etc.) et de participer au projet Africa Express de Damon Albarn. Il se retrouve alors à jouer avec ses idoles John Paul Jones (bassiste de Led Zeppelin), Mick Jones (guitariste des Clash) ou encore David Guilmour (Pink Floyd). Il partira par deux fois en tournées aux Etats-Unis avec les Blind Boys of Alabama.
Composition, édition, enregistrement et production depuis les années 2000, Yvo a créé son propre studio dans les locaux du cinéma Le Louxor à Barbes avec son ami musicien Miguel Saboga et s’entoure d’une équipe de musiciens et d’ingénieurs du son. Le studio sera par la suite transféré à Saint Ouen.
Depuis sa création, l’équipe de LOUXOR MUSIC a notamment composé et enregistré :
– une trentaine d’albums pour des librairies musicales ainsi que des musiques de Pub
Musique et bien être…
Dès les années quatre-vingt/quatre-vingt-dix, Yvo s’intéresse aux rencontres artistiques mêlant expériences musicales et corporelles. Il intervient ponctuellement dans des ateliers de danse thérapie pour créer un univers sonore.
Peu avant les années 2000, Yvo rencontre alors le professeur de yoga Mika Debrito avec lequel il découvre cette discipline et la pratique. Depuis, le yoga fait partie de son univers quotidien.
Avec Mika, il partagera des voyages (Indes, sri Lanka) au cours desquels leur accointance pour le yoga les rapprochera davantage.
Ensemble, Yvo et Mika ont enregistré plusieurs albums de musique pour le yoga
Ils ont également organisé des ateliers de Yoga en musique au Musée du Quai Branly ainsi que dans des festivals de yoga.
INES
DIA SILVA
BIO
I have always loved drawing. Since I was little, I spent sleepless nights before going to school to finish my drawings, and I adored all kinds of visual arts, even coming from a family that was not at all artistic. This helped me see beauty everywhere and love collecting all sorts of art objects like treasures. It’s always what I bring back from my travels, and I particularly enjoy naive art.
I consider art to be the essence of humanity, truly the best that it can offer, what comes from the heart, regardless of the feelings it expresses. A human capable of art has an outlet and heals their pains through their art, and is connected to their emotions, their heart, and their soul. This is immense hope because they can express themselves and heal their soul through their art, without doing “harm” elsewhere, without conflict, without war… if we were all connected to our creativity and our inner artist. For me, inspiration comes from the divine, whether it belongs to us or not, and it is universal; each of us is an artist, some are just detached from this part of themselves because it has been stifled by their experiences, their minds, society… My career has kept me away from my art for a long time, but it is time to rediscover it and find myself again!
When I saw the photo of Frédéric in that ray of light, for me it was a pure manifestation of magic. In this city that I loved, where I tasted freedom, but left with a bitter taste because it suffocated me; it was heavy and hard for its Parisians. Through this work, I wanted to reconcile with her and use the magic present in that photo to create a ritual and “tattoo” Paris with all kinds of blessings, just as fairy godmothers do on the cradle of a princess, so that Paris can release everything that is no longer necessary (the heaviness, the coldness, the aggressiveness) and reconnect with all that is best and most beautiful within her and in the hearts of her inhabitants.
Eu sempre gostei de desenhar. Desde pequena, passei noites em claro antes de ir para a escola para terminar desenhos e adorava todos os tipos de artes plásticas, mesmo vindo de uma família que não era nada artística. Isso me ajudou a ver a beleza em todos os lugares e a amar colecionar todo tipo de objetos de arte como tesouros. É sempre isso que trago das minhas viagens e, em particular, gosto da arte ingênua.
Eu considero a arte como a quintessência do ser humano, realmente o que ele pode fazer de melhor, o que vem do seu coração, não importa o que expressa como sentimento. Um humano capaz de arte tem um escape e cura suas dores através da sua arte, e está conectado às suas emoções, ao seu coração e à sua alma. Isso é uma imensa esperança, pois ele poderá se expressar e curar sua alma através de sua arte, sem fazer “mal” em outros aspectos, sem conflitos, sem guerras… se todos nós estivermos conectados à nossa criatividade e ao nosso artista interior. Para mim, a inspiração vem do divino, que nos pertence ou não, e é universal; cada um de nós é artista, alguns apenas estão desconectados dessa parte de si, pois ela foi sufocada por suas experiências, sua mente, a sociedade… A minha carreira me afastou da minha arte por muito tempo, mas é hora de reencontrá-la e de me reencontrar também!
Quando vi a foto de Frédéric nesse raio de luz, para mim foi uma pura manifestação de magia. Nesta cidade que eu amei, na qual provei a liberdade, mas que deixei com um gosto amargo, pois me sufocava; era pesada e dura para seus parisienses. Quis, através deste trabalho, me reconciliar com ela e usar a minha magia presente nessa foto para fazer um ritual e « tatuar » Paris com todo tipo de bênçãos, como as fadas madrinhas fazem no berço da princesa, para que Paris se libere de tudo o que não lhe é mais necessário (a pesadez, a frieza, a agressividade) e se reconecte com tudo o que tem de melhor e mais belo dentro dela e no coração de seus habitantes.
j’ai toujours aimé dessiner, depuis petite, je passais des nuits blanches avant de partir à l’école pour terminer des dessins et j’adorais toute sorte d’arts plastiques dans une famille pas du tout artistique. Cela m’a aidée à voir la beauté partout et à aimer collectionner toute sortes d’objets d’art comme des trésors. C’est toujours ce que je ramène de mes voyages et j’aime en particulier l’art naïf.
Je considère l’art comme la quintessence de l’Homme, vraiment ce qu’il peut faire de mieux, de meilleur, ce qui vient de son coeur, peu importe ce qu’il exprime comme sentiment. Un humain capable d’art a un exutoire et guérit ses maux à travers son art, et est connecté à ses émotions, son coeur et son âme. C’est un immense espoir car il pourra s’exprimer et guerir son ame à travers son âme et ne pas faire de “mal” par ailleurs, pas de conflit, pas de guerre… si nous étions touts connectés à notre creativité et notre arriste intérieur. Pour moi l’inspiration vient du divin, qu’il nous appartienne ou nous et est universel, chacun d’entre nous est artiste, certains sont juste detachés de cette partie d’eux car elle a été étouffée par son vécu, son mental, la société…. Ma carrière m’a éloignée de mon art, longtemps, mais il est temps de le retrouver et de me retrouver aussi!
J’ai voulu à travers ce travail, me réconcilier avec elle et me servir de ma magie présente dans cette photo pour faire un rituel et “tatouée” Paris de toutes sortes de bénédictions comme les fées marraines le font sur le berceau de la princesse pour que Paris coupe avec tout ce qui ne lui est plus nécessaire (la lourdeur, la froideur, l’agressivité) et se reconnecte avec tout ce qu’elle a de meilleur et de plus beau en elle et dans le coeur de ses habitants.
André Filipe Guedes Pires
BIO
CLARISSA
ROLLEKE
BIO
G6K Adam
BIO
The expression of this artist is as free as it is spontaneous, through abstractions with wild compositions and powerful symbols. There is an extravagance in G6K’s pictorial work, creating ultra-dense canvases before which the viewer can remain for hours, always discovering something new, capturing another emotion. The cinema of Tim Burton or Tarantino, the punk manga style of the ’90s, fashion, art history, G6K is passionate about many universes that are found in their paintings, true life stories that awaken our senses.
In G6K’s work, women are very present, with the infinite contrasts that inhabit their lives and emotions, their fragility combated with brushstrokes to let their strength and joie de vivre radiate, unwavering despite life’s obstacles. Acrylic, Indian ink, spray, oil, resin, coffee—G6K does not limit themselves to one material or medium, just as they do not limit themselves to a single subject or feeling. In this artist’s work, characters and news events respond to each other in a dance that ultimately symbolizes victory over our anxieties!
A expressão desta artista é tão livre quanto espontânea, através de abstrações com composições loucas e símbolos poderosos.
Há um excesso na obra pictórica de G6K, que cria telas ultra densas diante das quais o espectador pode passar horas e ainda encontrar algo novo, captando outra emoção.
O cinema de Tim Burton ou Tarantino, o estilo punk manga dos anos 90, a moda, a história da arte – G6K se apaixona por muitos universos que se refletem em suas pinturas, verdadeiras histórias de vida que despertam nossos sentidos.
Na obra de G6K, a mulher está muito presente, com os infinitos contrastes que habitam sua vida e emoções, sua fragilidade combatida a pinceladas para deixar irradiar sua força e alegria de viver, inabalável apesar dos obstáculos da existência.
Acrílico, tinta da China, spray, óleo, resina, café – G6K não se limita a um material ou meio, assim como não se limita a um tema ou sentimento.
Nesta artista, personagens e acontecimentos se entrelaçam numa dança que, no final das contas, é a vitória sobre nossas angústias!
L’expression de cette artiste est aussi libre que spontanée, à travers des abstractions aux compositions folles, aux symboles puissants.
Il y a de la démesure dans le travail pictural de G6K qui réalise des toiles ultra denses devant lesquelles le spectateur peut rester des heures et y voir encore quelque-chose de nouveau, y capter une autre émotion.
Le cinéma de Tim Burton ou de Tarantino, le style manga punk des années 90, la mode, l’histoire de l’art, G6K se passionne pour de nombreux univers qui se retrouvent dans ses tableaux, de véritables histoires de vie qui réveillent nos sens.
Chez G6K, la femme est trés présente, avec les contrastes infinis qui habitent sa vie et ses émotions, sa fragilité combattue à coups de pinceaux pour laisser irradier sa force et sa joie de vivre, inébranlable malgré les obstacles de l’existence.
Acrylique, encre de Chine, bombe, huile, résine, café, G6K ne se limite pas à une matière ou un médium comme elle ne se limite pas à un sujet, un sentiment.
Chez cette artiste, personnages et faits divers se répondent dans une danse qui est finalement celle de la victoire sur nos angoisses !
ANITA
LA SAINTE
BIO
I’m Ana López, also known as Anita la Sainte, a painter and tattoo artist from Cáceres, Spain. My artistic journey began at the age of 7, immersing myself in painting and
illustration. By 20, I was already working professionally, focusing on decorative art and portraits.
My pieces explore the beauty of life, nature, and the human spirit, with each creation reflecting a deep connection to both the traditional and the contemporary.
I’m thrilled to be part of this exhibition, where my art invites you to experience the transformation and connection that drive both my painting and tattoo work.
Sobre Frédéric
Frédéric Bourret expôs cerca de quarenta vezes, de Nova Iorque a Berlim, de Genebra a Paris… O seu trabalho é reconhecido por colecionadores, especialistas mas também por leigos que apreciam as suas séries que apresentam temas e abordagens cada vez mais renovados. Além disso, foram publicados três livros dedicados ao seu trabalho.
Bio
Le parcours photographique de Frédéric Bourret a commencé en 2000 en tant que photographe autodidacte à New York. Les instantanés capturés lors de ses déambulations matinales ont rapidement attiré l’attention et ont été exposés dans une galerie renommée à Paris. À travers l’objectif de son appareil photo, il a partagé sa vision unique de la ville, mettant en avant les lignes architecturales et créant des compositions graphiques d’un New York presque désert aux premières heures du jour.
S’appuyant sur ce succès initial, animé par une profonde curiosité et une passion pour la science et les mathématiques, il a poursuivi son parcours artistique en capturant les éléments invisibles cachés dans le monde qui nous entoure. Les éléments du quotidien ont pris alors une dimension exceptionnelle à travers son regard.
Cette approche se reflète dans tous ses thèmes, qu’il explore la perception des reflets, le passage du temps et la théorie des cordes symbolisée à travers un voyage en train, l’influence de la lumière sur le corps féminin, ou la posture d’attente à travers différentes cultures.
« Le plaisir conféré par Behind Waiting réside en partie dans cette progression, dans ce glissement, strate après strate, au coeur d’une image apparemment neutre. Dans une brillante contradiction, ces images-vitrines figent le réel, autant qu’elles déploient le regard du spectateur quelque part, là derrière… Plus loin qu’il ne l’aurait soupçonné. » Louise Blouin Média
Sa perspective unique sur le quotidien nous invite à regarder différemment des aspects que nous avons tendance à négliger. Il a reçu le prix « coup de cœur » de la Bourse du Talent. Il a exposé à New York, Paris, ainsi qu’à Genève et dans plusieurs galeries comme le Manoir de Cologny et la Galerie Verdeau. Des journaux tels que La Tribune de Genève, Connaissance des Arts et Le Figaro lui ont consacré des articles. Il est décrit comme « capturant l’intensité de ces moments cachés et mystérieux avec élégance et sincérité (Evene, Le Figaro)« , « ayant une vision très particulière de la ville qui ne dort jamais (Le Nouvel Observateur)« , et « étant un artiste et un homme libre, curieux de tout, qui s’aventure là où le mène sa créativité. Il a exposé à New York, Paris, Berlin, Genève, et même à Art Basel. Il touche à toutes les catégories, la rue, le conceptuel, le nu, et cela lui va (London Street Art Magazine)« .
« Débarrassée de ses couleurs, de son activité bouillonnante, réduite à la pureté de ses lignes au point de frôler l’abstraction, la Big Apple de Frédéric Bourret retrouve sa tranquillité et son humanité. » Connaissance des Arts, Magazine d’Art, France
« Frédéric Bourret est un artiste et un homme libre, curieux de tout, qui s’aventure là où le mène sa créativité. Il a exposé à New York, Paris, Berlin, Genève, et même à Art Basel. Il touche à toutes les catégories, la rue, le conceptuel, le nu, et cela lui va. » London Street Art Magazine